El Alma del Violín

2010-04-04T17:33:00.008-05:00

La Música en el Barroco (I)

Introducción

El Barroco es una de las épocas más importantes de la música occidental que abarca desde el siglo XVII (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

El ser humano del Barrco vive una época de crisis, tanto económica como espiritual. Esto tiene un reflejo en todas las artes y hace q se produzcan obras críticas como Don Quijote de Cervantes. En la música se manifiesta dándole un sentido dramático y muy expresivo. (El término barroco se tomó de la arquitectura donde designaba algo «retorcido», una construcción pesada, elaborada, envuelta)

Principales técnicas de composición del canto barroco

Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del Renacimiento y se producen avances:

1) Se intensifica la fuerza emocional de las palabras, creando tres maneras de cantar el texo: recitativo o canto declamado (es como declamar una poesía semicantándola), arioso (forma de cantar más adornada que el recitativo) y aria (en él la melodía se decora con profusión)

2) Se logra un invento transcendental: la Monodia acompañada que consiste en una melodía sostenida por el bajo continuo( base armónica que se obtenía utilizando un órgano, un clavicémbalo, una viola de gamba, un violonchelo o incluso un laud o una guitarra)

3) Nace el Policolarismo: música creada para varios coros distintos que cantan al mismo tiempo.

Formas vocales

La música religiosa sigue teniendo una gran importancia durante el Barroco, así surgen nuevas formas musicales:

Oratorio: forma vocal religiosa, de carácter narrativo sin representación escénica. En ella dialogan coros, cantantes solistas y orquesta sobre argumentos tomados casi siempre de la sagrada escritura. El primer gran autor de oratorios es Giacomo Carissimi ( 1605- 1674) que con su obra Jepthe convierte al coro en el gran protagonista, dándole una gran fuerza dramática. Con "El Mesías" de Händel este género alcanzó su máxima cumbre.

Cantata: forma vocal a una o varias voces ( con o sin solista, con o sin coro) con acompañamiento instrumental. Excluye por completo el elemento dramático (no narra), pero se caracteriza por ser muy lírica (evoca). El coro es menos importante que en el Oratorio.

La Cantata tiene origen profano, pero es aceptada por la Iglesia. Entre los cultivadores de esta forma destacan Alessandro Scarlatti, Pergolesi y Bach quien cultivó más de 300 cantatas tanto religiosas como profanas, de las que sólo quedan cerca de 200.

Ópera género de música teatral en el que una acción escénica es, armonizada cantada y tiene acompañamiento instrumental, Precisa de escenario, orquesta, coro y solistas. Nació en Florencia a finales del siglo XVI y se convirtió en el sistema mas perfecto para llevar a cabo la dramatización barroca. Claudio Monteverdi consolidó definitivamente el género con obras de la categroría de Orfeo (considerada la primera ópera de la historia - clic aquí para ver un fragmento), Ariana...

Una ópera consta de:

1) Obertura: parte instrumental que la precede.

2) Partes cantadas

3) Interludios: partes instrumentales que se intercalan en la obra.

Los dos tipos más importantes de ópera barroca son:

- Opera seria: de carácter aristocrático, con temas mitológicos

- Ópera bufa: de carácter popular. Los protagonistas no son dioses sino personas de la clase media que critican a la aristocracia. Destaca la Serva padrona (ver aquí) de Pergolesi.

En Francia, el nuevo arte se vio impulsado por los trabajos de J.B. Lully. En Inglaterra H. Purcell escribió una de las piezas más brillantes del género Dido y Eneas que se representó por primera vez un colegio para señoritas de familias acomodadas.

Inmediatamente cada nación acomoda el género a sus gustos y así surgen: la ópera comique francesa, el singspiel alemán, la ópera balada inglesa o la zarzuela española.

Zarzuela: obra de teatro en la que se alternan las escenas habladas con las cantadas. La música se aplica sobretodo a las partes más líricas. Se caracteriza por su colorido, casticismo y espontaneidad.

Las primeras primadonnas y su música

Dada la importancia que adquiere la ópera, comienzan a florecer las escuelas de canto donde se instruyen muchas cantantes procedentes tanto de familias humildes como de familias de comerciantes y artesanos. Ya no se podría prescindir de la participación de la mujer en la música aunque durante un largo tiempo se intentó sustiyendo la voz femenina por la de los "castrati" sin embargo, ésta aberración fue cayendo por su propio peso. En tiempos de Shakespeare aun los hombres hacian los papeles femeninos y no va a ser hasta mucho tiempo después que la mujer comienza a intervenir en las representaciones teatrales con o sin música. Uno de los los mayores astros del barroco femenino fue Francesca Cuzzoni quien, al igual que el resto de cantantes femeninas tuvo que soportar durante toda su carrera el absoluto reinado de los castrati, siendo a pesar de ello una de las primeras mujeres que lograron hacerse una fama y renombre enormes.

Francesca Cuzzoni Sandoni (1700 - 1770 ) conocida como la "Parmesana". Su voz pasó a la historia como una de las más bellas del siglo xviii, definida como Voce d'angelo ('voz de ángel') por su resonancia, homogeneidad, su vibrato dulce y penetrante y su facultad de modular y disminuir las notas con prodigioso efecto. Su fraseo era muy suave en los momentos lánguidos, elegíacos y patéticos. Fue probablemente la primera soprano italiana en poseer las características de soprano aguda. Con una entonación perfecta y una sorprendente igualdad de registro, Cuzzoni era además enormemente admirada por el gusto y la delicadeza con que sabia adornar las melodías como por su trino. De esta manera consiguió tanta fama que llegó incluso a provocar escenas de auténtico fanatismo en el público inglés cuando la oian cantar.

Entre 1740-1742 viajó por los estados alemanes en compañías errantes o como solista en conciertos y se dedicó a malgastar su enorme fortuna en una vida disipada y llena de lujos. Sus deudas le hicieron acabar en prision varias veces aunque consiguió salir siempre gracias a la ayuda de varios protectores. Murió en la más absoluta miseria en Bolonia en 1772.

Cantantes y compositoras

Muchas cantantes no sólo trabajaban sobre arias escritas para ellas, sino que también eran capaces de escribir arias que se podían incluir en las óperas. Era normal que las cantoras supiesen tocar el clavicémbalo, la guitarra o el laúd, y sus conocimientos musicales debían ser notables si tenemos en cuenta que ya desde finales del siglo XVII aparecen como autoras de óperas líricas.

En Europa el movimiento de la Contrarreforma Católica hizo que muchos monasterios se convirtieron en colegios donde el canto y la música formaba parte de la educación de las jóvenes.

Destacaron:

Lucrecia Orsina Viziani, Orssini Vezzana o Vinazi Orsina (1590 – 1662) ingresó en el convento Camaldolese en Bolonia a la edad de ocho años y permanecio allí toda su vida, Fue cantora, organista y compositora. En 1623 publicó en Venecia sus trabajos Componimenti musicali de motetti concertati a 1 e più voci. También escribió libros de contrapunto y armonía. Sus obras están influidas por las tendencias musicales más modernas de la música italiana de la época, especialmente por Claudio Monteverdi.

Leonora Baroni (1611 – 1671) nació en la corte de la familia Gonzaga en Mantua. Fue cantante, intérprete de laúd y violín y compositora. Dotada de una hermosa voz pronto se hizo famosa como virtuosa del canto. Hablaba varias lenguas y escribió poesía y música. Cantó junto con su madre y su hermana en la corte y por toda Italia, Baroni fue honrada por nobles y poetas como Fulvio Testi y Francesco Bracciolini quienes le dedicaron poemas.

Isabella Leonarda (1620 – 1704) Nacida en Novara, a los 16 años ingresó como religiosa en el convento de Santa Úrsula, y dedicó a la composición. Fue conocida como "la musa de Novara" Publicó más de 200 trabajos en unos veinte volúmenes, en especial motetes para solista; aunque también escribió misas y sonatas. En alguno de sus escritos la compositora cita a Platón: "Musicam docet Amor: el Amor de lo que es bueno y honesto templa y vigoriza las emociones, que son como las cuerdas de la lira del corazón, y brinda al hombre armonía consigo mismo y con los demás...".

(debajo interpretación a cargo del conjunto "El concierto Ylustrado" de la Sonata Duodécima de Isabella Leonarda)

Barbara Strozzi: (1619-1677) nacida en Venecia, compositora y cantante. La gran mayoría de sus trabajos son obras para soprano solista y bajo continuo, por lo que es posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella misma. Su música está profundamente arraigada en la técnica denominada "segunda práctica", cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. Strozzi escribió arias, cantatas dramáticas, madrigales y duetos. Publicó ocho volúmenes de obras, incluyendo más cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII.

Elizabeth Claude Jacquet de la Guerre (1667 - 1729)

Hija de Claude Jacquet, una organista de la iglesia Ile-Saint Louis de París. Tiene tres hermanos, todos músicos. Elisabeth comenzó la interpretación de instrumentos de tecla a edad muy temprana. A la edad de seis años fue presentada como niña prodigio a Luis XIV, Madame de Montespan, amante del rey, quedó vivamente impresionada por lo que la invitó a vivir en Versalles y se encargó de su educación.
n 1684 se casó con Marin de la Guerre, un organista, y se mudó a París, donde siguió actuando en conciertos y lecciones p rticulares y donde todos los grandes músicos de la ciudad llegaban a oírla tocar el clave. Al año siguiente consiguió que se ejecutara su primera obra, un ballet con fragmentos cantados. La composición tuvo éxito y Elisabeth escribió una primera serie de fragmentos para clavicémbalo. Ese mismo año dio a luz a un hijo, que desgraciadamente murió a los diez años.
Fue la primera compositora francesa que escribió óperas., "Jeux à l'honeur de la victoire" , "Céphale et Procris" En 1694 la Real Academia de Música ofreció la primera ejecución de su ópera Céphale et Procris, cuyo éxito fue inmediato y duradero. Posteriormente escribió su Trío sonate y una serie de arias. En 1707 publicó sus Piecés de clavecín y las Sonates pour la violon et pour le clavecin y en 1708 el primer libro de cantatas, únicos en Francia porque tiene como temas historias de la Biblia y particularmente historias de mujeres como Susana, Esther y Judith.
(debajo podemos escuchar su sonata nº1 en re menor para violín y continuo)

Antonia Padoani Bembo (1640 - 1720) Nace en Venecia y destaca como cantante y compositora. Se sabe poco sobre su educación. Entre 1690 y 1695 fue presentada al rey Luis XIV, quien le ofreció una pequeña pensión y alojamiento en la comunidad femenina Petite Union Chrétienne des Dames de Saint Chaumont (Pequeña Unión Cristiana de Damas de Saint Chaumont), en la parroquia de Notre Dame de Bonne Nouvelle, en las afueras de París.

Antonia Bembo compuso en su mayoría obras de géneros vocálicos:
Un divertimento a cinco voces
Dos te deum
Musicalización de salmos con textos en latín y francés
Una ópera, L´Ercole (1707)Una cantata, Clizia, amante del Sole para soprano y bajo continuo.
De sus obras se conservan seis volúmenes en la Bibliothèque Nationale de París.

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Fuentes:
Wikipedia, the Free Encyclopedie
Revista de Artes
Mª Luisa Ozaita - opinión sobre la mujer en la música

Emergencia en Haiti

2010-01-23T18:01:00.009-06:00

El tamaño de la catástrofe provocada por el terremoto de magnitud siete que ha azotado Haití aumenta a medida que transcurren los días: ya se habla de más de 100.000 fallecidos. (en la imagen vista de una zona de Puerto Príncipe tras el seísmo)

La ciudad más afectada es la capital, Puerto Príncipe, donde centenares de edificios se han derrumbado con miles de personas en su interior.

Si los edificios oficiales han sufrido destrozos, las viviendas, que son "muy precarias", pueden estar pero que "muy afectadas" señala la investigadora Amelie Gauthier quien teme especialmente por las chabolas que se hacinan en las laderas abruptas de Puerto Príncipe, que pueden haberse desmoronado con el terremoto.

Las comunicaciones están casi cortadas y el acceso por carretera a través de las fronteras con República Dominicana es difícil. Mientras, miles de heridos deambulan sin saber a dónde ir a la espera de atención médica.

Continuo riesgo de enfermedades

Antes del terremoto, Haití ya enfrentaba una de las tasas más altas de mortalidad en occidente debido a infecciones y enfermedades como tuberculosis, VIH y diarrea.
Ahora, las agencias de ayuda advierten del enorme desafío que enfrentan para poder tratar las heridas y controlar las enfermedades que surgen.

Entre las prioridades sanitarias establecidas por la OMS, se encuentren: la búsqueda y rescate de los supervivientes atrapados entre los escombros, el tratamiento de las personas con heridas traumáticas graves, la prevención de infecciones por heridas, el abastecimiento de agua potable y el apoyo al mantenimiento de la lactancia materna.

Hasta ahora, sin embargo, los informes hablan de la falta de recursos y personal médico para tratar a los miles de enfermos y heridos.
La Cruz Roja ha advertido que "las necesidades médicas son enormes" y las condiciones "terribles"
Más información

Los niños haitianos abandonados a su suerte
Cientos de menores vagan por las calles o en los hospitales de la capital haitiana sin agua, sin nada que comer y sin protección contra la violencia y los abusos.
Los datos de Unicef indican que la mitad de la población de Haití es menor de 18 años y miles de niños se han quedado huérfanos tras la tragedia y abandonados a su suerte. Así mismo señala que en situaciones de conflicto o catástrofes aumenta el riesgo de tráfico de menores.
Más información aquí

El mayor seísmo de la historia en la zona
En 2008 Haití fue barrido por cuatro huracanes. Hasta ahora, el más intenso, de magnitud 6,7, tuvo lugar en junio de 1984. Sin embargo, este último seísmo: con una magnitud de 7.0 en la escala de Richter ha sido el más fuerte registrado nunca en la región.

Algunos de los principales datos del país:

SITUACIÓN: Con una extensión de 27.750 km2, comparte la isla La Española con República Dominicana. El país está a menos de 80 km de Cuba y a unos 1.000 km deMiami (EE.UU).
POBLACIÓN: Más de 8,5 millones de habitantes, de los cuales un 95% son de raza negra, descendientes de esclavos africanos. El 5% restantes son mulatos o blancos. La esperanza de vida es de 52 años. Sólo el 45% de la población está alfabetizada.
CIUDADES: La capital es Puerto Príncipe, con 2,3 millones de habitantes. Las otras grandes ciudades son Cap Haitien (norte), Gonaives (noroeste), Cayes (sur) y Jacmel (sureste).
ECONOMÍA: El 54% de la población vive en la pobreza extrema (con menos de un dólar al día) y hasta el 78% bajo lo que se considera umbral de la pobreza (con menos de dos dólares al día).
RECURSOS: Agricultura (caña de azúcar, banana, café, mango). Pesca. Ganadería. Industria del ensamblado de componentes electrónicos y textil.
HISTORIA: Fue colonia española hasta 1697 y después francesa. La población local fue esclavizada para trabajar en las plantaciones y en las minas. Se produjeron varios intentos de rebelión seguidos de represiones brutales. Finalmente en 1804 se convirtió en el primer país que abolió la esclavitud.
Más información: rtve.es

Más noticias:

20minutos.es , imágenes

elpais.com

elmundo.es

Colabora, junt@s podemos salvar vidas

Ayuda al pueblo haitiano

Feliz Navidad

2009-12-23T18:31:00.088-06:00

La Navidad es paz, amor, nostalgia, ilusión y esperanza.
La Navidad es ternura, generosidad, perdón y reconciliación.
La Navidad es solidaridad, es una motivación para ayudar a personas necesitadas de cariño, de afecto, de luchar por vivir.
La Navidad es tiempo para tratar de ser mejores.

A tí que que estás leyendo estas líneas: Feliz Navidad.

Honraré la Navidad en mi corazón y procuraré conservarla durante todo el año

(Charles Dickens)

Rosa Bonheur

2009-10-31T19:49:00.006-05:00

Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (1822-1899), fue una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Reconocida entre los mejores pintores de animales de la historia. Nació en Burdeos, su madre, Sophie, era profesora de música pero falleció cuando Rosa tenía tan sólo once años. Su padre, Raymond Bonheur, era pintor y la enseñó y ayudó desde niña. Raymond, cuestionaba los convencionalismos y creía en la emancipación de la mujer. Estimuló la creatividad de sus hij@s (dos niños y dos niñas) y l@s cuatro se convirtieron en artistas de gran talento.

Rosa pasó varios años en el campo y enseguida mostró su preferencia por la pintura de animales, que se convirtió en su especialidad y le dieron prestigio. (en la imagen Rosa Bonheur retratada por el artista Dubufe)

En 1837 conoció a Nathalie Micas, quien se convirtió en pintora como ella, y con la que mantuvo una relación amorosa.

A partir de 1843 comenzó a exponer sus obras y obtuvo diversos premios y reconocimientos. Su obra "La Labranza en Nirvernais" fue adquirida por el gobierno francés para la colección del Museo de Luxemburgo de París. En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de Caballos" obra en la que colaboró su amiga y compañera Nathalie Micas. Esta obra le dio reconocimiento internacional y le permitió realizar viajes, en los que conoció diversas personalidades como la reina Victoria. (debajo una de las obras más conocidas de Rosa Bonheur: " El Destete de los Terneros").

Dirigió la escuela de arte de su padre cuando este murió en 1849. En su época no estaba permitido a las mujeres vestirse con ropa masculina y Rosa consiguió un permiso gubernamental para ir vestida de hombre, (o más concretamente llevar pantalones) y poder así hacer estudios de animales en las ferias y mercados de ganado. Respecto a esto Rosa escribió: "Me di cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre (...) Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca".

En 1859 se instaló junto con su compañera Nathalie Micas, en el Chateau de By, ladera vitícola del municipio de Thomery donde dispuso su taller y arregló espacios para sus animales.

En 1865 se convirtió en la primera mujer en haber sido condecorada con la orden de la Legión de Honor, recibió esta distinción de las manos de la propia Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga en estado francés.

Vida sentimental

A los 14 años había conocido a Nathalie Micas, una joven enfermiza pero con talento que también se dedicó a la pintura. Ambas mantuvieron una relación amorosa que duraría hasta la muerte de Micas en 1889.

Rosa quedó desolada cuando Micas falleció pero meses después conoció a Anna Elizabeth Klumpke (1856-1942) también pintora, especialmente conocida por sus retratos.

Anna Elizabeth quería realizar el retrato de Rosa a quien admiraba desde niña. Así se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau. (en la imagen retrato de Rosa Bonheur realizado por Anna Elizabeth). Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte de Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras convivieron juntas. En su testamento Bonheur la nombró heredera universal. Kumpke supervisó todas las obras de Rosa en 1900. Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Français y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointeinebleau.

En 1908 Anna Elizabeth publicó una biografía de Rosa Bonheur, basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. Se publicó en inglés en 1998.
Las tres mujeres fueron enterradas juntas bajo la inscripción "la amistad es un afecto divino".

Rosa cuestionó las opciones personales y profesionales que tenían las mujeres en el s xix y ayudó a comenzar a poner fin a las ideas profundamente arraigadas en su tiempo. Se identicaba a sí misma como perteneciente al "tercer sexo".

Fuentes: Mujeres en el Arte, Wikipedia

Debajo, muestro algunas de sus impresionantes obras. Estoy convenciada de que quienes amen la Naturaleza quedarán cautivado/as con ellas.

Para ver algunas de sus esculturas clic aquí

Antonio Vivaldi

2009-10-17T16:30:00.014-05:00

Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Estudió música con su padre, Guiovanni Battista Vivaldi, barbero de profesión a la vez que brillante violinista. Antonio fue primógénito de nueve herman@s y, como era casi preceptivo en aquella época, fue destinado a ingresar en las órdenes religiosas. Se ordenó sacerdote en 1703 aunque hubo de abandonar los hábitos poco después por una grave afección asmática.

En la misma fecha ingresó como profesor de violín y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietà, un conservatorio para jóvenes huérfanas.

Vivaldi no tardó en ganarse una sólida reputación como violinista. Su cabellera roja y su modo de tocar el violín, con fogosidad y alarde de virtuosismo seducían a los conocedores y mecenas venecianos y extranjeros.

Trece años después fue nombrado maestro de conciertos y director de coros.
A comienzos de la década de 1710 era ya famoso como compositor en Vencia y en las principales plazas musicales europeas. En 1713 estrenó su primera ópera, Ottone in villa en Vicenza. Desde este año, además de sus labores al frente del conservatorio de la Pietà, se dedicó a desarrollar una carrera como compositor y empresario de óperas. En 1716 estrenó su primer gran oratorio dramático: Juditha trimphans, único de los tres que compuso que ha sobrevivido.

En 1726 conoció a la soprano Anna Giraud o Girò, quien interpretaba un papel en una de sus óperas, Farnace, quien le acompañó en sus numerosos viajes por Europa y con quien entabló una relación de amistad y colaboración musical que duraría hasta el final de la vida del músico.

Entre 1725 y 1728 estrenó ocho óperas en Venecia y Florencia. En 1725 publicó en Amsterdam Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, monumental recopilación de 12 conciertos, en el que se incluyen Las cuatro estaciones. En Praga, ciudad que albergaba una de las cortes más melómanas de la época, Vivaldi disponía de su propia compañía estable de ópera.

Su fama ya era internacional. En 1740, después de renunciar a su cargo en el Ospedale, emprendió viaje a Viena, posiblemente debido a la grave crisis económica que atravesaba Venecia. En realidad, Vivaldi ya había hecho varios intentos , todos fallidos, para conseguir una plaza estable y bien remunerada en una de las grandes capitales musicales europeas, que le permitiera abandonar la vida agitada y el agotador ritmo de empresario musical.

En Viena murió en circunstancias inciertas al año siguiente, el 26 o 27 de julio. Al fallecer, su hacienda era tan poca que hubo de ser enterrado en el llamado "cementerio de los pobres" de la ciudad.

Antonio Vivaldi fue olvidado inmediatamente por sus tornadizos contemporáneos y hubo que esperar a lo que se ha llamado Vivaldi renaissance, hacia la década de 1950 (casi dos siglos), para que la obra de este gran creador emergiera con fuerza. Este resurgir se debió principalmente al gran interés despertado en los estudiosos por el legado de Johan Sebastian Bach. Este grandísimo compositor estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones, en su mayor parte para clavecín.

El Ospedale della Pietà

El Hospital de la Piedad acogía oficalmente a huérfanas. En realidad el Ospedale era a la vez orfanato y conservatorio de música, uno de los más afamados de la ciudad. La reputación del Ospedale era tal que salir de allí con un título de graduación equivalía para estas chicas a la obtención de una dote, lo que les permitía conseguier un marido o ingresar en la vida conventual. Un dato revelador de la fama que tuvo Vivaldi como músico y pedagogo es que durante su mandato como maestro de música de este orfanato, desde 1703, las familias aristocráticas de la ciudad adquieron la costumbre de enviar allí a sus hijas legítimas.

El oratorio de la Pietà, donde Vivaldi impartía sus lecciones y organizaba los conciertos de sus pupilas, era un espacio más bien reducido. Cuando Vivaldi comenzó a dar clases, el edificio ya amenazaba ruina, y en 1730 se inició un largo proceso que concluiría terinta años depués con la creación de la nueva iglesia, diseñada por Masssari.
Los espectáculos musicales eran extraordinariamente populares y atraían a todas las clases sociales.

El trabajo de Vivaldi en el Ospedale consistía en impartir clases de interpretación musical a las pupilas,, componer dos conciertos mensuales para la orquesta de la iglesia y organizar los conciertos abiertos al público, que se programaban los sábados, domingos y festivos. El número de alumnas y la variedad de instrumentos contemplados en el plan de estudios explican por sí solos la riqueaza instrumental de la obra vivaldiana. El músico escribió incluso para instrumentos como la mandolina y el laúd o la viola d'amore, que habían dejado de formar parte del repertorio tradicional en el siglo xviii. Debida enteramente al genio musical de Vivaldi, en cambio, la innovación armónica que exhiben las piezas instruentales también refleja el alto nivel de las intérpretes para las que fueron escritas.

Anna Giraud
Una de las estudiantes de Vivaldi, Anna Giraud, fue una cantante de la que sse decía que tenía gusto y sensibilidad musical pero que no destacaba al parecer por su virtuosismo vocal. Sin embargo, Anna fue, sin duda, la intérprete favorita del compositor.

Puede que Ana fuese especialmente hábil en reflejar con su voz las intenciones y personalidad de Vivaldi. Y seguramente, por eso decidió convertirla en su protegida y viajar con ella por toda Europa. Lo cierto es que Anna permaneció con el músico hasta su muerte.

Obra
Vivaldi desmpeó un papel crucial en la exploración de un nuevo estilo musical en el que los instrumentos fueron definitivamente liberados de su dependencia con respecto a la música vocal. Su innovador uso de escalas rápidas, arpegios, etc., contribuyeron de forma decisiva al desarrollo de la técnica del violin. Es considerado uno de los precurosores de la música programática.

Escribió más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y música religiosa. Las únicas obras que se imprimeron durante su vida fueron 40 sonatas y un centeanar de conciertos.

Las cuatro estaciones
En estos conciertos descriptivos se van relatando sensaciones, paisajes, colores y personajes, los cuales constituyen la trama estructural de la narración musical. El compositor pone de manifiesto su gran fantasía y espectacular ímpetu creativo, utilizando un apasionado lenguaje instrumental, con ritmos vigorosos y fuertes contrastes. Lo más sorprendente de estos conciertos es que han logrado superar los límites de la llamada música clásica y han conquistado la sensibilidad de todo tipo de público.

Aquí podeís ver y escuchar a la violinista Julia Fischer interpretando el concierto: El Invierno.

Sí quereís escuchar "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi interpretados por esta violinista, aquí os los dejo los links.

Primavera

Verano

Otoño

Invierno

(excepcional también la interpretación de la Orquesta de Mujeres de la Filarmónica de Viena: clic aquí )

Debajo podeís escuchar la versión-interpretación de Vanessa Mae del tercer movimiento del concierto El Verano, que es uno de mis conciertos favoritos de este genial compositor.( Se divivde en tres tiempos_ i Allegro non molto - ii Adagio y iii Tempo impetuoso d'Estate) he seleccionado el Tempo impetuoso d' Estate intentaré subir los otros dos. A mí me sorprendió muchísimo la primera vez que lo escuché... espero que vosotr@s también os guste.

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Hasta siempre Mercedes Sosa

2009-10-04T15:36:00.010-05:00

La intérprete y compositora argentina nos ha abandonado hoy domingo en una clínica de Buenos Aires, a los 74 años, víctima de una enfermedad hepática.

Mercedes se distinguió por su magnífica voz, de timbre oscuro y cálido, con registros de soprano y por sus canciones, con letras de Victor Jara, Violeta Parra, o Pablo Neruda y música basada en en combinación de ritmos de chacareras,zambas, guajiras, milongas y tonadas. Con su labor artística popularizaró, en los años 70 y 80, el folklore latinoamericano en todo el mundo y se convirtió en una de las mejores y más famosas intérpretes del continente.

Mercedes Sosa, conocida cariñosamente como la Negra Sosa nació en Tucumán, Argentina, el 9 de julio de 1935. En 1961 grabó su primer disco y en 1966 editó su primer éxito, Zamba para no morir. Al año siguiente realizó su primera gira por Europa. Por entonces comenzó a cantar con Violeta Parra. Su canción Gracias a la Vida se convirtió en un enorme éxito. En 1972 grabó la Cantata suramericana.

Visitó España, Francia, Italia, México, Venezuela y Perú y en 1975 viajó a Japón. En 1978 las autoridades argentinas le prohibieron cantar en público por lo que decidió instalarse en París y después en Madrid. En 1979 grabó un disco en portugués y tres años más tarde regresó a Argentina donde recibió una calurosa acogida por parte del público. En julio de 1984 volvió a realizar nuevas giras. Entre sus canciones de mayor éxito destacan Gracias a la vida, Vover a los diecisiete, Canción de todos, Alfonsina y el mar Como la cigarra o Como un pájaro libre.

Durante 1995 recibió diversos   premios y distinciones  en reconocimiento de su trayectoria artística, su compromiso social, y su constante lucha por los Derechos Humanos. Entre algunos de ellos recibió el Premio de la Música de la UNESCO y el Premio de la UNIFEM que la distinguió por su labor en defensa de los derechos de la mujer.

En los últimos tiempos cansada y enferma, aseguraba encontrarse feliz, rodeada de afecto. "Tengo suerte", decía " ... pero me ha costado mucho" La Negra Sosa luchó hasta el final por renovar la canción argentina popular para conseguir que "se integre  en la vida de todo el pueblo, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y sus esperanzas".

Abajo comparto la inolvidable interpretación de Mercedes Sosa de Alfonsina y el Mar, una zamba compuesta por los argentinos Ariel Ramirez y Félix Luna y se publicó por primera vez  en el disco Mujeres Argentinas (1969) de Mercedes Sosa. Es una preciosa y emotiva despedida a la gran poetisa Alfonsina Storni; para mí, una de esas canciones que perdurarán para siempre, por la letra, la música y la impresionante voz de Mercedes Sosa.

Aquí comparto tres canciones más: Honrar la vida, Duerme Negrito, y Aquellas pequeñas cosas.

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Fuentes: El Pais.com, Wikipedia

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La violinista Chantal Labi-Dilombwa

2009-09-28T07:14:00.005-05:00

Chantal Labi-Dilombwa trabaja vendiendo pan, pero cuando termina su jornada laboral, resurge como el ave Fénix y hace lo que de verdad llena su corazón: tocar el violín en la única orquesta sinfónica que existe en el centro de África: La orquesta sinfónica del Congo (o de Kinshasa). Sus compañer@s de aventura posen también una identidad secreta. Josephine Msimba (debajo), trabaja en el mercado de Kinshasa vendiendo huevos, y toca el violonchelo;

Papy el farmacéutico, toca la tuba; Laddy, antenista, es el oboe; Nathalie Bahati, (abajo) decora coches de boda y dedica sus tardes a la flauta travesera... Todos son amateurs. Cargan con sus instrumentos hasta el barrio más pobre de la ciudad y ensayan, aprendiendo gracias a las clases de solfeo de Papá Armand o mirando en internet cómo tocan sus instrumentos los músicos que sí poseen formación.

No tienen dinero, ni esponsors, ni caché. Si se rompe una cuerda de su violonchelo Josephine la sustituye por el hilo de nailon de una chaña de pescar. Un cable hace un Mi, dos un La, tres un Re y cuatro un Sol. Mientras no paran de ensayar y de soñar.

Debajo dejo el único video que encontré en el que nos muestran algunos de los integrantes de la Orquesta Sinfónica de Kinshasa: primero aparece Albert Matubenza que construye instrumentos musicales, en sus brazos lleva un contrabajo (el decimo q ha diseñado) Después la chelista Josephine Matubenza no dice que primero primero rezan y después cantan. En el minuto 1:29 podemos escuchar el comienzo de la famosa obra Carmina Burana de Carl Off en sus voces e instrumentos...

Armand Diangienda, es el director de la orquesta y nos dice que en el 93 finalizó sus estudios como piloto de avión, pero como no encontraba trabajo decidió fundar la orquesta.

Seguidamente podemos ver a la violinista Chantal, a la trombón y el trompa. En el minuto 2:25 Mireille Ikina, la soprano, nos dice " en cuanto comienzo a cantar olvido mis problemas" "cuando estoy debilitada y escucho la música ella me da fuerzas". El tenor Moise Niandu dice "si la musica no pordría vivir porque es mi pasión. Y sin la peluquería no podría vivir porque es lo que me da un sueldo".

fuentes (reportaje de Silvia Fernandez en Mujer hoy , e imagenes de Le figaro)

Clara Schumann

2009-09-16T14:48:00.061-05:00

Clara Josephine Wieck nació en Leipzig,el 13 de septiembre de 1819, fue compositora y pianista desde los ocho años: sus dotes de interpretación alcanzaron el virtuosismo. Su talento fue reconocido en toda Europa antes de su matrimonio y fue considerada una de las mejores pianistas de la época, tan genial como Franz Lizt.

Clara fue admirada también por diversas personalidades destacadas: como Mendelssohn, Goethe, Brahms, Chopin, Paganini o el mismo Lizt. Desde 1872 hasta 1892 fue profesora en el Conservatorio de Frankfurt.

A partir de los cinco años estudió, al igual que su hermana Maria, piano y composición con su padre, Friedrich Wieck, un reconocido pedagogo y pianista. En 1830 la pequeña Clara, de once años, escribió su primer lied, en 1827 habia tocado por primera vez con una orquesta. A los nueve años, hizo su debut como virtuosa del piano, tocando variaciones sobre un tema de Rossini. En pocos años Clara se había convertido en la pianista más famosa de su época.

Robert Schumann (1810-1856), uno de los numen del romanticismo, soñaba desde pequeño en convertirse en un gran pianista. Después de estudiar composición inició un curso de estudio con Friedrich Wieck. De esta manera Schumann conoció a Clara, quien para entonces ya era concertista profesioal, y pronto nacería el amor entre ellos. Pero el enamoramiento de Clara enfureció a su padre, seguramente por los hábitos de Robert: de carácter marcadamente depresivo, sin medios para mantener una familia y por sus fracasos en las relaciones con otras mujeres. Friedrich envió a Clara a Dresde y le prohibió cualquier tipo de comunicación con Schumann. Aunque los enamorados encontraron la manera de cartearse.

Finalmente en 1840, después de tres años de noviazgo y tras superar la oposición del padre por medio de los tribunales, se casaron y en los años siguientes Robert se dedicó a la composición sinfónica. Clara, a pesar de su talento musical, decidió dedicarse a Robert y a sus hijos (tuvieron hasta ocho).

Pero a pesar de los éxitos de Robert y la dedicación de Clara, los jóvenes esposos tenían graves problemas financieros y en 1844 aceptaron hacer una gira en Rusia, esperando resolver así su difícil situación. Tuvieron mucho éxito pero pocos ingresos. La salud de Robert, siempre delicada, comenzó a deteriorarse, sufrió varias crisis depresivas y el médico les recomendó que cambiasen de aire y la familia se trasladó a Dresde. Allí, Robert compuso varias obras y posteriormente Clara intentó promocionar la obra de Robert en una gira por Viena, sin conseguir éxito. Las composicíones de Schumann ya no despertaban excesivo entusiasmo y el compositor comenzó a decaer alarmantemente: sufría alucinaciones y desvaríos. Clara sufría profundamente viendo padecer a su esposo y sintiendose impotente para ayudarle.

En 1854 Robert, desesperado y con la mente confusa, se arrojó al Rhin, donde fue salvado por unos pescadores. Clara que se encontraba en el sexto mes de un nuevo embarazo tuvo que internarlo en un sanatorio para enfermos mentales y continuó de gira ofreciendo conciertos por toda Europa en teatros y asociaciones para mantener a su marido y sus hijos. En
1872, para poder estar más cerca de su familia, aceptó un puesto como profesora en el Conservatorio de Frankfurt donde dio clases hasta 1892. Durante estos años se dedicó a la publicación de las obras pianísticas y el epistolario de su Robert.

Clara tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de cuatro de sus hijos y las crisis nerviosas, el intento de suicidio y la posterior muerte de su esposo. Pero también tenía algunas inseguridades: dudaba de su belleza, de su talento como pianista y como compositora, en su diario llegó a escribir: "Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?" Estas inseguridades (provocadas por el papel de la mujer en el s xix), unidas su carrera de concertista, sus ocho hijos y la devoción por su esposo fueron algunas de las razones por las que no se dedicó en mayor grado a componer.

Clara , a través de sus conciertos, ayudó a promover la música de Robert y de diversos músicos, como la de su amigo Johanes Brahms. Su amistad con Brahms, iniciada durante el período de su matrimonio con Schumann, duró cuarenta años y la confortó mucho en sus tribulaciones. Johannes Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita"

Antes de su matrimonio, Clara había escrito varias obras: cuatro polonesas para piano, caprichos en forma de vals y varias romanzas, otras obras para piano, además de lieder, preludios, fugas variaciones del concierto para piano sobre una cavatina del pirata de Bellini , un precioso trío para viólín, violonchelo y piano (op.17), y una obra impresionante: un concierto para piano y orquesta en la menor(op7) , ( la comenzó a componer con 14 años y la finalizó en 1835 ¡tenía sólo 16 años!) . Sin embargo, no hay ninguna composición de los años de su matrimonio. Clara sacrificó su genio como compositora durante los años que vivieron juntos: se limító a inspirar y enriquecer con hermosas sugerencias los trabajos de su esposo.

La grandeza de Clara como mujer, intérprete y compositora permanece. Es evidente que su obra musical no está inspirada en la del marido, más bien es la música de Robert la que está en deuda con la de Clara. Estoy segura de que si se le hubieran presentado más oportunidades y menos impedimentos en el área de la composición hoy, sin duda, podríamos disfrutar de excelentes e insuperables obras y la historia de la musica reconocería en ella su indiscutible genialidad.

Por suerte se están empezando a publicar algunas de sus obras. Querría compartir con vosotr@s, dos de las que más me gustan:

Del tripo para violin, violonchelo y piano op.17 (que se compone de cuatro movimientos) os dejo el iii y el iv movimiento (aunque el sonido del video no es muy bueno, la interpretación es magnifica):

(ésta es mi parte preferida de la obra)

También quiero compartir un fragmento del concierto para piano y orquesta en

la menor op.17. Inerpretado por la pianista Daria van den Bercken y bajo la dirección de Johan Falleta (una de las pocas mujeres directoras de orquesta que hay). Me alegró mucho encontrar este video y deseaba mucho compartirlo...

... y si quereís escuchar la obra completa clic aquí.

Safo de Lesbos: la Décima Musa

2009-09-08T12:04:00.013-05:00

Poetisa, cantora e instrumentista griega, nació en la isla de Lesbos, (actualmente también conocida como Mitilene, que es el nombre de la capital) hacia el año 630 a.C. Debido a las las vicisitudes políticas de su tiempo y a sus ideas Safo, tuvo que emigrar a Sicilia. A su regreso, fundó una academia de poesía, filosofía, música y danza para muchachas que acudían de toda Grecia. Safo y sus alumnas oficiaban ritos en los festivales religiosos y sus epitalamios (cánticos nupciales) se hicieron famosos. La forma poética del epitalamio fue tomada como modelo durante miles de años por otros escritores en Grecia, Roma y Europa.
Safo tocó la flauta y la lira (kitara) y se le atribuye el desarrollo de un instrumento de cuerda llamado pectis, así como de introducir el uso del plectro para la lira. Aristoxenes atribuyó a Safo la invención del modo misolidio y unanueva forma de música.

Fue la poetisa más admirada de la Antiguedad; en su obra, empleó a menudo la estrofa sáfica creada por ella misma. Esta estrofa consiste en el verso de tres endecasílabos y un adónico final de cinco sílabas. Muchos poetas griegos posteriores asimilaron la influencia de Safo, en particular Teócrito.

Escribió en dialecto eólico y utilizando diversos esquemas métricos odas, epitalamios, elegías e himnos recogidos en nueve libros. Pero la mayor casi toda su obra fue destruida debido a la intolerancia religiosa, la obra de Safo se consideró literatura impúdica. De esta forma nos despojaron de un invaluable e irremplazable patrimonio de la humanidad. Tan solo se conservan unos 650 versos : una oda completa Oda a la mujer amada, recogida por Longino en su libro Tratado de los sublime; el himno A Afrodita, recogida por Dionisio de Halicarnaso y 200 fragmentos de poemas, algunos de los cuales se encontraron recientemente en Egipto.

Su poesía se caracteriza por la exquisita belleza de su dicción, su perfección formal, su intensidad y su emoción. (a continuación Safo por Soma Orlai Petrich)
Safo además de tener talento era una mujer valiente. Su merito consiste en que ocupó ese espacio íntimo tan inexplorado en aquellos tiempos llenos de epopeyas y héroes mitológicos. Ella osó dejar de lado el mundo rudo y dedicarse a la exploración de la subjetividad, la exaltación de la pasión y el culto a Afrodita, diosa del amor, el placer y los sentimientos sensuales. Ese mundo de las caricias, olores e imágenes que ella describe magistralmente.

"De ella ver quisiera su andar amable
Y la clara luz de su rostro antes
Que a los carros lidios o a mil guerreros
Llenos de armas..."

Según el poeta Manuel Aguilar de la Torre "Ningún otro poeta de la Grecia antigua alcanzó la perfección y belleza de la poesía creada en Lesbos. Apasionados, violentos, indisciplinados, los eolios de Lesbos fueron maestros del canto, de la música y el amor nunca encontró fuera de esa isla palabra más cálida, más expresiva, más pasional, más bella y más sonora".

"Otra vez el amor que deshace el cuerpo me atormenta,
como una amarga y dulce fiera invencible"

Safo cantó a la naturaleza, a la belleza y al amor, un amor lleno de ternura hacia algunas de las jóvenes alumnas de su escuela; sus poemas están dedicados a Gogila, Arignota, Attide, Erinne, Atthis...Safo encontraba en la belleza de aquellas muchachas una revelación de lo sagrado y cuando le eran indiferentes invocaba la ayuda de Afrodita. Expresó en sus obras el sentimiento apasionado y el deseo físico, con un lenguaje poético de honda intensidad.

Me parece que igual a los dioses
aquel hombre es, el que sentado
frente a ti, a tu lado, tu dulce
voz escucha
y tu amorosa risa. En cambio,
en mi pecho el corazón se estremece.
Apenas te miro,
la voz no viene más a mí,
la lengua se me inmoviliza, un delicado
incendio fluye bajo mi piel,
no ven ya mis ojos
y zumban mis oídos,
el sudor me cubre, un temblor
se apodera de todo mi cuerpo y tan pálida
como la hierba no muy lejana de la muerte
me parece estar. . .
Pero todo debe soportarse si así es

Por ello, se deduce que Safo se enamoraba de sus discípulas. (Arriba Safo inspirada por el Amor de la pintora y artista Angelica Kauffman) De ahí proceden los términos lesbianismo y safismo, ambos usados para nombrar a la homosexualidad femenina. De ahí la polémica provocada por algunos habitantes del lugar que pedían utilizar exclusivamente la palabra lesbiana unicamente como gentilicio, excluyendo a las mujeres homosexuales.

En algunas zonas de la antigua Grecia, las mujeres gozaban prácticamente de todos los derechos que tenían los hombres. Lesbos era uno de estos lugares, sin embargo, en Atenas la situación era totalmente diferente, por lo que Safo comenzó a recibir los primeros descalificativos, ya en vida por parte de muchos sectores de una tierra donde solamente las cortesanas tenían acceso a la cultura y vida social. Esto hace una idea del pensamiento con que Safo fundó su academia. Existieron otras maestras como Safo, en Máximo de Tiro se citan dos educadoras: Andrómeda y Gorgo.

Entre Safo y Alceo, el otro famoso poeta de Lesbos, hubo una especie de competencia entre iguales e intercambiaron poemas y críticas. Los poemas de Safo fueron acogidos con entusiasmo desde la Atigüedad. A partir de la época Alejandrina se puso de manifiesto el interés por conservar su obra e intentar descubrir nuevas partes. Safo ha sido probablemente la poeta más traducida y más imitada de la antigüedad clásica. A lo largo de siglos, autores como Alceo, Platón,Horacio, Catulo, Teócrito, Petrarca, Leopardi, Byron o Rilke, entre otros, han admirado su obra. Platón llamó a Safo la Décima Musa. también recibió el apelativo de Musa Mortal. (Abajo, Safo por Ferdinand Kronberg, +imagenes )

....

Ella se marchó entre abundantes
lágrimas diciéndome:
"¡Ay, Safo, cuánto sufrimos!
¡Con cuánto pesar te abandono!"
Y yo le contesté:
¡Adiós, y sé feliz! ¡Sólo recuérdame,
pues sabes cuan atada estoy a ti!

Acuérdate al menos

(¡oh, no lo olvides!)
de las amadas y hermosas cosas que vivimos.

De tantas guirnaldas de violetas
y de rosas, y también de azafrán,
. . .con que a mi lado te ceñiste.
De tantos collares tejidos
con dulces flores
que rodeaban tu tierno cuello.
De las muchas veces que con abundante
mirra de flores y de reyes
ungiste tu cabeza de hermoso peinado.
Del blando lecho
en que tú, a mi lado,
dejando que la ternura saliera. . .
Y no hubo colina profana
o sagrada, ni fuentes de aguas
a donde no hayamos ido.

Safo murió segun la tradición, en el año 570 a.C. y en los poemas de su última época, se describe a sí misma como una aciana que goza de una vida tranquila, pobre, en armonía con la naturaleza.
Su vida sigue envuelta en el misterio pero su esencia y su arte sobreviven en su poesía. Safo fue una creadora pura que fundió los versos con la música e intenó transmitir este arte a través de sus alumnas.

"el que ahora sea bueno, después será bello".

(traducción de los poemas de Safo por Carlos Montemayor)

Instrumentos musicales en la Prehistoria

2009-09-04T16:09:00.078-05:00

Flauta perforada

Esta flauta que veís aquí es el instrumento musical más antiguo descubierto hasta la fecha. Fue tallada hace 35000 años a partir de un hueso de buitre leonado y hallada en la cueva de Hohle Fels, (suroeste de Alemania). Mide 20 centímetros de largo y 2.5 centímetros de diámetro. Tiene cinco agujeros y una boquilla en forma de "V" en uno de sus extremos. Por desgracia, el otro extremo está roto y no se sabe la extensión original que tenía el instrumento, pero se trata, aún así, de un hallazgo sorprendente. Si queréis oir el sonido de este instrumento que deleitó los oídos de los seres humanos hace 35000 años clic aquí. (si accedeís al link, tan solo tendréis que esperar unos segundos para que comience la reproducción...) A mi me parecio fascinante, para ser tan antiquísimo suena muy bien ¿no os parece?

Arco musical

Os presento a el que fue precursor de todos los intrumentos de cuerda. Se trata del arco musical consistente en una simple varilla de madera flexible, curvada por medio de una cuerda tendida entre sus dos extremos y que puede estar provista de un resonador: una calabaza, una cáscara, un bambú o la misma cavidad bucal del ejecutante. Este último método permite conseguir una melodía mucho más rica, al variar el tamaño del resonador. Se puede producir sonido frotando la cuerda (instrumento de cuerda frotada) o pulsándola (instrumento de cuerda pulsada). Del arco musical derivan, por un lado, el arpa, la lira y la cítara y, por otro, el laúd.

Este instrumento todavía se utiliza en numerosas culturas, en diversas partes del mundo (por ejemplo en Brasil y Angola). También es conocido como Berimbau o arco de boca o mouthbow.

Madosini Latozi Mpahleni conocida como la Reina de Mpoland. Nació en Umtata (Sur de África). Comenzó a tocar el uhadi a la edad de 13 años infuenciada por su madre quien la enseñó a tocar y confeccionar diversos instrumentos musicales tipicos de su tradicion (uhadi, mothbow, isitolotolo...). Madosini demostró desde su juventud un talento muy desarrollado tanto para componer canciones, como para interpretarlas con los instrumentos que ella misma fabricaba. Su música es única, extraordinaria por la variedad y profundidad de emociones que evoca... Madosoni ha realizado diversas actuaciones y ha colaborado con conocidos artistas africanos . Tiene publicado un album llamado "The power to the women".

A continuación os dejo un video en el que podemos ver y escuchar la magnífica interpretación de Madosoni. Espero que os guste.

Ida Haendel: la gran dama del violín

2009-08-28T12:02:00.014-05:00

De origen judío, nació el 15 de diciembre de 1928 en Chelm, una ciudad de Polonia. Comenzó a tocar el violín con tres años. A los cuatro se inscribió en el conservatorio de Varsovia. Tres años después, quedó finalista en el concurso internacional de Violin Henryk Wieniawski.

En 1970 se publica su autobiografía "Mujer con violin".

Ha realizado grabaciones de obras de diversos compositores como Beethoven, Brahms, Falla, Grieg, Haendel, Mendelssohn, Paganini, Sarasate, Schubert, Sibelius, Tartini... Y colaborado con directores de la talla de Zubin Metha o Rafael Kubelik.

Toca un violin de 1696 de A. Stradivari y otro de Guarneri.

Ida, interpreta con tanta sencillez y fuerza emotiva que consigue que la música llegue más alla de los sentidos.

Y al verla impresiona... por su increíble facilidad cuando interpreta los pasajes con mayor dificultad tecnica. No muestra tensión ninguna y consigue así lo espectacular: toda la tecnica queda en un segundo plano, Ida ofrece la obra artística en su estado puro sin pretensiones de grandeza más que las de la propia composición.

Os dejo su interpretación de "Aires Gitanos" de Pablo Sarasate. Os recomiendo que la escucheís de principio a fin no os arrepentiréis...

La Música en el Renacimiento

2009-08-23T13:02:00.004-05:00

El canto polifonico se enriqueció con la llegada del Renacimiento, un periodo que afecta a toda la cultura occidental a partir de finales del s xiv y se extiende hasta principios del s. xvii.

Al Renacimiento pertenecen Miguel Angel, Leonardo da Vinci, Rafel, El Greco, Galileo, Shakespeare, Cervantes... Y excelentes músicos como Guillermo Dufay, Josquin Despres, Guiovani de Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Antonio de Cabezón...

Durante este periodo por primera vez, la mujer llegó a ser apreciada por su labor artística, si bien sufría de muchas restricciones. En el campo de la pintura, una de las primeras en ser tenidas en cuenta, fue Sofonisba Anguissola , también destacaron Barbara Longhi, Lavinia Fontana ,, Plautilla Nelli,.. Respecto a la música destacaron:

-Vittoria Colonna (1490-1547) nació en Marino, Roma, fue poetisa e influyente intelectual del Renacimiento italiano. En los ultimos años de su vida escribió música y letra de algunos himnos y motetes sacros, pero no ha quedado rastro de su música. Miguel Angel, el famoso pintor, se enamoró platónicamente de ella.

- Ana Bolena: (1501-1536) segunda esposa de Enrique viii de Inglaterra, nación en el seno de una familia acomodada y ambiciosa. Destacó en el baile, el canto y la composición. Compuso "aires" para voz y laúd, y los que se han conservado, aunque pocos, son hermosos. Fue " una mujer que tomó el control de su propia situación en un mundo de hombres; una mujer que hizo que su educación, su estilo y su presencia pesaran más que las desventajas de su sexo; pasó de ser moderadamente bien vista, a conducir una tormenta en la corte y al Rey." Eric Ives.

-Leonora Orsina conocida como la duquesa de Segni. De su obra musical se conservan algunas melodías para voz zy laúd, entre ellas destaca la canción: per pianto la mia carne, pues en ella las variaciones van anotadas directamente sobre la parte vocal, mientras que normalmente en aquella época las variaciones se improvisaban y, pro tanto, no se transcribían.

-Maddalena Casulana (1540- 1583) fue famosa como cantora y magnífica virtuosa del laúd. Dio clases de música al poeta Antonio Molino que la recuerda en algunos gragmentos de sus obras: " Doña Magdalena, ya que en el cantar sois tan excelsa, tan divia, que toda alma sensible os ama y os estima, tomad el laúd..." Durante su estancia en Milán se produjo una curiosa anécdota reflejada por el músico Nicolás Tagliaferro: "Maddalena Casulana, que aunque cantando estuvo encantadora, en la composición se deleitó muchísimo, más de lo que conviene a una profesión femenina". Escribió dos libros de madrigales a cuatro voces. Uno de ellos puedes escucharlo aquí.

-Vittoria Archilei llamada "la Romanina", nacio en Roma y se casó con el músico (cantante,instrumentista de laúd y compositor) Antonio Archilei, que probablemente fue su maestro. Además de cantora fue una habilísima instrumentista de laúd y compuso algunos fragmentos de madrigal. Cuando murió su marido decidio dedicarse a una actividad exclusivamente concertística, conservándose documentos que hablan de su trabajo como solista en las iglesias de Pisa y Florencia. De esta forma se convirtió en la primera compositora que fue profesional de la música en un sentido estricto.

Durante este período el canto polifónico llega a su cumbre y se produce el nacimineto de una nueva música, de nuevos estilos y formas musicales.

Son tres las técnicas utilizadas por los compositores de este período:

Contrapunto imitativo: se fundamenta en exponer en una voz una brevísima melodía, que repite otra voz inmediatamente, bien al unísono, o bien un poco más alta o más baja, sobre todo a distancia de 4ª o 5ª. Las restantes irán repitiendo una tras otra la misma melodía.
Cantus firmus: este sistema es muy antiguo y alcanza en el Renacimiento su máxima perfecció. Consite en el canto de una melodía por una voz, mientras las otras tejen a su alrededor la trama polifónica. Observa que el gregoriano viene señalado en rojo.

Variación: consiste en repetir un tema variándolo. Puede variarse la melodía, la rítmica, la armonía, el contrapunto... Se usa sobre todo en la música instrumental.

Las formas que se desarrollan son fundamentalmente:

- En el género religioso:

motete: ya lo hemos visto aquí, pasa a tener una importancia transcendental en el Renacimiento.

misa: en el s xvi se convierte en una gran forma musical que se construye a partir de la tecnica contrapuntística, o la de cantus firmus.

coral: forma musical creada por Lutero (que fue el iniciador de la Reforma protestante) , se convierte en el himno de los protestantes. La forma más usual del coral tiene dos partes una primera que se repite y una segunda que no. Esto le da el esquema AAB.

- Destacan los músicos: Guillermo Dufay y Joaquín Deprès que cultivaron tanto el motete como la misa. En España destaca el músico español Tomás Luis de Victoria quien da a sus obras una severidad imponente. Puedes escuchar un fragmento del Ave Maria de este compositor aquí:

-En el género profano:

madrigal: forma musical profana polifónica para voces solas o con instrumentos. Es una derivación del motete hacia la música profana. Sus características más importantes son

Se da en ambientes cortesanos como exaltación de sentimientos sensuales y amorosos.

Dotado de un lenguaje musical complejo, usando el cromatismo

La música trata de describir e imitar físicamente el texto.

Uno de los compositores más famosos de madrigales son: Luca Marenzio y Claudio Monteverdi (1567-1643) que compuso ocho libros de madrigales.
Si quieres puedes escuchar uno de sus madrigales pertenecientes a su tercer libro: O dolce alma mia

romance: forma polifonica sobre temas de los antiguos romances españoles, formada por cuatro frases musicales que corresponden a los cuatro versos de cada estrofa. Es música de carácter popular. Entre sus compositores destaca Juan de la Encina compositor y poeta que estuvo al servicio de los Reyes Católicos a finales del s.xv

villancico: composición de pequeñaextensión, de carácter popular. (su adscripción a la Iglesia se producírá más tarde).

chanson: engloba cualquier tipo de polifonia profana francesa independientemente de la temática.

Deliver me: un canto de la Naturaleza

2009-08-18T06:16:00.012-05:00

La primera vez que escuché esta canción me emocionó. Será la voz de Sarah Brigthman, será la melodía... hay algo que va más allá de los sentidos... Se trata de un sencillo y a la vez impresionante cantico de la Madre Naturaleza para cada un@ de nosotr@s

Os dejo el vídeo , y la letra de la canción.

(1)

Deliver me, out of my sadness (Liberame, de mi tristeza)

Deliver me, from all of the madness, (Liberame, de toda esta locura)

Deliver me, courage to guide me (Entrégame, valentía para guiarme)

Deliver me, strength from inside me (Entrégame, fuerza interior)

(2)

All of my life I've been in hiding, (Toda mi vida me he estado ocultando),

wishing there was someone just like you (deseando que hubiera alguien just@ como tú)

Now that you're here (Ahora que estás aquí)

Now that I've found you (Ahora que te he encontrado),

I know that you're the one to pull me through (sé que serás la persona que me ayudará a salir)

(3)

Deliver me, loving and caring (Entrégame, amor y cariño)

Deliver me,giving and sharing (Regalame entrega y generosidad)

Deliver me, the cross that I'm bearing (Quitame la cruz que estoy cargando)

Bis(2) (repite parte 2 )

Inma Shara: directora de orquesta

2009-08-15T10:13:00.014-05:00

Inma Shara, nacida en Amurrio (Álava) es una de las más brillantes representates de la nueva generación de directores de España. A pesar de su juventud, ha dirigido algunas de las orquestas más importantes del mundo, demostrando su fuerza y valía.

No se considera a sí misma una niña prodigio: "sólo soy una persona que ama y está comprometida con lo que hace"

Para Inma la música no es una profesión sino "una forma de vida, una forma de sentir, de soñar". Tanta es su entrega física, emocional y psíquica que pierde cerca de dos kilos en cada concierto.

Quien dirige además de conocer el repertorio, tiene que ganarse a una orquesta compuesta por profesores y músicos avezados. Algunos poco dispuestos a seguir la batuta de una mujer. " en cuestión de minutos, dejan de ver a una mujer o a un hombre. Sólo eres una herramienta de la música". Pero un director de orquesta también es un líder, una representación de poder. Justamente lo que la mujer no ha tenido durante siglos: por eso ha tardado tanto en llegar al podio.

La clave está en hacer fluir con un gesto o una mirada el sonido más hermoso de cada músico y de todos en su conjunto. "yo creo que la música está por encima de géneros, razas o religión, es el lenguaje universal por excelencia" afirma Shara. "el hecho de ser hombre o mujer para ejercer una profesión es absolutamente circunstancial". Afirma que no repara en los obstaculos y que la actitud es muy importante en la persona.

En mataria de educación afirma que la música debería ser una asignatura prioritaria porque fomenta una serie de valores necesarios para la formación de la persona. "Se debe perder ese concepto de elitismo, la música es por y para todos"

Uno de los acontecimientos claves en su carrera profesional ocurrió el 10 de diciembre del 2008, día en el que se convirtió en la primera mujer que tomó la batuta ante el Vaticano, con motivo de la celebración del 60 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos.

Conocida por su faceta de entrega y compromiso con la sociedad a través de la música, ha dirigido numerosos conciertos para múltiples organizaciones sin ánimo de lucro.

Recientemente galardonada con el prestigioso premio a la Excelencia Europea por su proyección internacional y su aportación a la música clásica.

Al no ser titular de una orquesta concreta, Shara viaja de un país a otro como una nómada. Nomadismo y glamour se dan la mano en esta carrera a la que, en España acceden muy pocas mujeres. Además de Shara, Gloria Isabel Ramos, Mercedes Padilla, Silvia Sanz, Isabel López Calzada... y pocas más. Pero a pesar de todos los tropiezos e impedimentos han conseguido hacerse visibles.

Os dejo una entrevista que se le realizó el 28 de mayo del 2009 . Querría compartir alguna actuación pero no he localizado ninguna aún. En cuanto la consiga la subiré a este post.

Musica en la Edad Media. La Polifonía (IV)

2009-08-08T11:07:00.009-05:00

En el siglo iX además de surgir la música profana, nace la polifonia: estilo musical mediante el que genera y desarrolla simultáneamente varias líneas melódicas independientes. Distinguimos tres períodos:

Nacimiento de la polifonía, (s ix - xii): la Iglesia admite la polifonía como un modo de enriquecer y decorar el canto litúrgico y. Las primeras formas polifónicas se basan en el Gregoriano y son:

- Organum: se considera el estado más primitivo de la polifonía. Consiste en añadir a una melodía gregoriana, llamada canto firme o voz principal, una segunda voz acompañante (voz organal) a distancia de cuarta o de quinta.

- Organum florido u organum melismático: se mantiena la voz principal (cantus firmus) y la otra voz superior, que se mueve más rápidamente, añade florituras y adornos.

- Discantus: dos voces van por movimiento contrario, es decir, la voz acompañante desciende cuando la voz principal asciende y viceversa, aunque siempre nota con nota (es decir, la voz organal tiene exactamente el mismo ritmo que la voz principal). Constituye el origen del contrapunto ( "punto contra punto" = nota contra nota), que se desarrolla a lo largo de los siglos siguientes.

Ars Antigua (s. xii - xiii): su fundamento es la creación de la Escuela de Notre Dame de París, de la que surgieron dos músicos de gran relevancia: Léonin y Pérotin. Con ellos nace la formas polifónicas:

- Conductus: la voz principal ya no es gregoriana, sino inventada por el compositor( melodías populares, profanas o religiosas) y el ritmo deja de ser libre, para adquirir un caracter procesional.

- Motete: de carácter contrapuntístico, a dos o tres voces que cantan una letra diferente y tienen un ritmo igualmente distinto, por lo que resulta una música muy vivaz y contrastada. En el motete se mezcan incluso letras profanas y religiosas. Es usado tanto en el ámbito profano como en el religioso. Es la gran invención de la escuela de París y se relaciona con Perotin.

Ars Nova (s xiv - Renacimiento) la polifonia medieval llega a resultados más perfectos en este periodo. Surgirá un nuevo modo de cantar que será la expresión del ser humano gótico, que vivie el nacimiento de una sociedad urbana.
Destaca el compositor Guillaume de Machaut(1300-1377): por su condición de cura es sorprendente que su música contenga tantas canciones sobre el amor no correspondido. Expresó su amor desdichado por una joven - la noble Peronne en su música secular y su poesía. La obra más importante de Machaut fue su "Misa de Notre Damme". Os dejo un fragmento de la obra:

También produjo una impresionante colección de motetes y bellísimas canciones, en muchas de ellas quedan plasmadas las estructuras poéticas de la época: rondó, virelai, balada y lai.

Aquí os dejo dos canciones de Machaut: "liement me deport par samblant"

y "Je vivroie liemente":

Con esto, doy por finalizado nuestro viaje a través de la música en la Édad Media, y os tiendo la mano para realizar otro viaje distinto, a través del Renacimiento... pero esto será más adelante.

Hilary Hanhn

2009-07-24T12:16:00.009-05:00

Hilary Hahn nació en 1979, en el estado de Virginia (Estados Unidos). Desde pequeña mostró inmensas dotes musicales por lo que un mes antes de cumplir los 4 años comenzó a estudiar violín en el -Conservatorio de Peabody.

Entre 1984 y 1989 estudió con la famosa maestra Klara Berkovich, tanto se desarrollaba su talento que dió su primer recital en solitario a los 9 años.

En 1995, debutó con proyección internacional, cuando interpretó junto con la Orquesta Sinfonica de la Radio de Baviera -bajo la dirección de Lorin Maazel- el concierto para violin y orquesta de Beethoven.

En 1996 firmó contrato con Sony Classical, discográfica con la que ha grabado 5 álbumes, pero debido a la diferencia de criterios en 2003 decidió cambiar de compáñía y firmo contrato con Deustche Grammophon. Haz clic aquí para ver toda su Discografía.

Hilary toca un violin Vuillaume de 1864 que perteneció al violinista ruso Samuel Lande, amigo de Klara Berkovich.

Aquí os dejo su impresionante interpretación del "Rey de los Elfos" de Schubert pieza muy dificil de ejecutar e inspirada, en la balada Erlköning de Goethe. En esta obra hay un narrador y tres personajes: el padre, el hijo y el rey de los elfos. El narrador solo habla al principio y al final del poema. El resto está constituido por el intercambio de palabras entre los tres personajes. El padre cabalga durante la noche protegiendo a su hijo y tratando de tranquilizar a su hijo que está aterrorizado ante la visión del rey de los elfos. Al principio es un personaje seductor que trata de agradar al niño pero su actitud cambia hacia el final del poema, lo que lleva al desenlace de la historia. Si quieres leer el poema haz clic aquí.

Érase una vez...

2009-07-05T13:49:00.003-05:00

Así comienzan la mayoría de los cuentos que conocemos. Aparentemente son tiernos, inocentes y hermosos. En parte es así, pero tengamos en cuenta que través de estas historias las niñas perciben infinidad de mensajes acerca de su condición de mujer y lo que se puede esperar de otras mujeres. Además de numeros códigos de conducta sobre cómo debe ser una mujer para conseguir buenos pretendientes.

Por ejemplo, escuchando el relato de Blancanieves, se les está diciendo a las pequeñas que una verdadera mujer debe atender incondicionalmente el hogar. Así cuando Blancanieves, llega por vez primera a la casa de los siete enanitos, comienza a limpiarla afanosamente ya que está hecha un autentico desastre. Los siete enanitos trabajan únicamente fuera y dentro no son capaces ni de un mínimo. Es más, la primera traducción al español de la famosa canción "hi ho" lo deja bien claro: "hi-ho, hi-ho, a casa a descansar" ¿quien no la recuerda? A pesar de que la versión original en inglés lo que dice es " " it's home from work we go" = del trabajo a casa voy. (Parece ser que la versión moderna ha decidido cambiar la mala traducción por " a casa vuelvo yo" algo más acorde con la canción original).

Aquí os dejo un video que incluye ésta y otras canciones. Su valor artísitico es innegable, así como el amor, la sensibilidad y la ternura que despierta por la naturaleza y a los animales. Pero

seamos capaces de ver lo más negativo: los prejuicios que caen sobre la mujer.

Además tanto en Blancanieves como en otros cuentos como Cenicienta..., se resalta la maldad de las madrastras lo que fomenta vínculos negativos alrededor de esta figura dentro de una familia.

Pero no sólo se tiende a fomentar la rivalidad contra las madrastras, también hacia las hermanastras o hacia otras mujeres en general, por ejemplo: la Bella Durmiente y la Maléfica (un nombre muy sutil) La Sirenita y Úrsula...

En todos estos cuentos se tiende a una misma fórmula: protagonistas femeninas buenas (muy bellas y desprotegidas) enfrentadas a mujeres muy, pero que muy, malas. La mayoría de la crueldad de estas mujeres es generada esencialmente, por la envidia o la venganza . ¿Por qué odia tanto la madrastra a Blancanieves? Todos lo sabemos: porque cuando ella pregunta a su espejito mágico " ¿quien es la más bella del reino?" éste contesta que es Blancanieves y entonces se enfurece tanto que trata de matarla.

En la mayoría de estos cuentos se hace una clara distinción entre malvadas y malvados: los actos de ellas buscan motivos de caracter personal (por lo general) con otras mujeres mientras que ellos buscan el poder, la dominación.

Esto no significa que los cuentos no resulten emocionantes, sólo que habría que adaptarlos e intentar eliminar todos esos estereotipos, o por lo menos advertir y explicar la falsedad que esconden a los más pequeños. Lo indispensable es explicar a las niñas que sólo es un cuento, y que en la realidad ningún sapo se convierte en príncipe con un beso, como tampoco una mujer rivalizando con otras mujeres, consigue lo que se propone. Lo consigue con su inteligencia, destreza y habilidad.

Cuando se retira la fantasía del sapo, cuando la otra deja de ser una enemiga, cuando el único rescate pasa por nosotras mismas, cuando salimos a buscar nuestro zapatito de cristal y nos vamos a casa con él en la mano, entonces estamos preparadas para crear nuevos cuentos. Cuentos cuyos finales serán originales, abiertos, sorprendentes y dejarán de esconder tanta falsedad y negatividad hacia la mujer y sus relacion con otras mujeres. Y lo más importante: los cuentos además de entretenernos enseñarán a superar las limitaciones del género en lugar de convertirse en una opresión más sobre la mujer.

Anne-Sophie Mutter

2009-06-27T15:06:00.011-05:00

Anne-Sophie Mutter ( Rheinfelden, Alemania 1963) es una virtuosa del violín que deslumbra en sus actuaciones en parte por sus sutiles improvisaciones mediante las que transmite la sensación de estar creando la música en el mismo momento en que la interpreta.

Esta mujer, que se encuentra en la madurez de una fulgurante carrera que comenzó a los 13 años de la mano del director Herbert von Karajan, afirma que muchos conciertos de música clásica pueden ser profundamente aburridos porque no se realizan con la suficiente pasión y esfuerzo y les falta espontaneidad.

Defensora de la vertiente dramática de Wolfgang Amadeus Mozart, frente al estereotipo de creador de música alegre que se le suele otorgar. Para Anne-Sophie, detrás de Mozart hay un autor mucho más profundo capaz de despertar todas las emociones.

Además de sus insuperables interpretaciones nos deja palabras tan hermosas como éstas:

"La música nos hace mejores. Todos sentimos necesidad de belleza y armonía"

Aquí os dejo dos actuaciones de Anne-Sophie:

En la primera interpreta el concierto nº 5 de Mozart (el conocidísimo 3er movimiento). Estoy segura de que alguna vez lo habreís escuchado, quizás no de una forma tan impresionante.

La segunda se trata del concierto para violin en Re Mayor de Luwding van Beethoven. Fijaos también en el bueno del director de la orquesta: Seiji Ozawa ¡menudo derroche de espontaneidad! ¿no os parece?

La musica en la edad media. Hildegarda de Bingen (III)

2009-06-09T06:18:00.015-05:00

Hildegarda de Bingen fue compositora, poeta, escritora, naturalista, científica, feminista, religiosa, predicadora, fundadora de dos monasterios y ante todo ... mujer.

Por eso quiero compartir con vostr@s unas breves pinceladas de lo que fue su vida: la vida de una de las mujeres más extraordinarias de la Edad Media.
Hildegarda de Bingen (1098-1179) nació en Alemania, en el seno de una familia noble que la entregó, a la edad de ocho años, al monasterio masculino de Disibodengerb. Éste albergaba en una celda anexa, una pequeña comunidad de monjas. Allí la joven, aprendió, fundamentalmente, latín, griego, música y ciencias naturales.

A la edad de 38 años fue elegida abadesa de la comunidad de monjas y, a partir de entonces comenzó una intensa actividad literaria, escribió libros sobre religión: una de sus obras más importantes fue Svicias (conoce los caminos) que tardó diez años en completar. También escribió sobre biología (obtuvo un profundo conocimiento sobre las plantas, sobre todo respecto de su uso medicinal), y medicina.

Además Hildegarda era predicadora: realizó duros viajes, a pesar de su naturaleza débil, para hablar sobre la redención, criticar la corrupción eclesiástica , describír a Dios con atributos femeninos (algo revolucionario para la época), convertir las debilidades atribuídas a las mujeres en autoridad y para luchar por la equiparación de los sexos en cuanto al castigo a los pecados. No tuvo reparos en enfrentarse a los representantes de la iglesia , cuando este modo de pensar era inconcebible.

De esta mantera comenzó a ser tan reconocida, que personas de todas las clases sociales la buscaban para escuchar sus palabras de sabiduría, pedirle consejos, para que los curase o los guiara...

Su fama hizo que la comunidad de monjas creciera de tal forma que Hildegarda solictó emanciparla de los monjes de Disibodenberg. Tras las oposiciones de éstos finalmente consiguió, trasladar la comunidad en 1150.

En su nuevo monasterio se dedicó a ultimar sus obras musicales que reunió bajo el título Symphonia armonie celestium ( Sinfonia de la armonía de las revelaciones celestiales). Entre sus composiciones hay antífonas, himnos, responsorios y 1 oratorio. (si quieres ver el nombre de la mayoría de sus obras haz clic aquí). La mayoría son de un estilo muy personal y audaz adelantándose más de un siglo respecto a la música de su época. Hildegarda fue una de las pocas mujeres compositoras que logró mantener la auditoría de sus obras gracias a que supervisó personalmente la copia de sus manuscritos. Hoy en día, podemos escuchar su música a través de conciertos y múltiples grabaciones de su obra, algunas de ellas incluyen mezclas con ritmos Techno y New Age, que demuestran lo universal de su genio.

Pero sus opiniones y modo de pensar y actuar le llevaron a situaciones muy críticas. La última a la que tuvo que enfrentarse aconteció en 1178 cuando dio sepultura en su convento a un joven revolucionario que habia sido excomulgado. Así, según la Iglesia, el joven no merecía santa sepultura, pero Hildegarda se negó a desenterrarlo, alegando que él se había arrepentido.

Ésto le acarreó a Hildegarda y a todas las monjas a su cargo la prohibición de toda manifestación musical. A alguno podría parecerle que no es un gran castigo, pero para Hildegarda, quien encontraba en la música un medio para comunicarse con Dios y una forma de alegrar el espíritu ante las penas de este mundo, sí lo era.

Finalmente, la iglesia accedió a levantar el entredicho, pero pocos meses después Hildegarda murió. Hubo varias tentativas de canonizarla y, aunque nunca llegó a suceder, el papa Juan Pablo II la reconoció como mujer santa.

Cristina del Valle - Tiempos rotos

2009-05-23T21:28:00.002-05:00

“Tiempos Rotos” Cristina del Valle

La cantante asturiana Cristina del Valle, dedicada en cuerpo y alma a luchar por la defensa de los derechos de la mujer, ya tiene nuevo disco "Tiempos rotos" que salió a la venta el pasado 15 de Abril, sentido, profundo, capaz de cautivar desde la sencillez y el sentimiento. Un trabajo en el que esta gran artista ha plasmado su compromiso con las injusticias sociales a través del universal lenguaje de la música.

Los temas que han sido compuestos por artistas de la talla de Coti, Carlos Chaouen, Esmeralda Grao, Cecilia Blanco entre otros , mezclan arreglos, instrumentaciones y ritmos latinos, celtas y árabes. Todos ellos están impregandos de ternura, comprensión y búsqueda de paz, respeto e igualdad.

Atrás han quedado los conciertos de Belén, Ramalah o Ciudad Juárez, las visitas a las cárceles, las casas de acogida de mujeres víctimas de los malos tratos, las audiencias y reuniones en el Parlamento Europeo, la ONU, Zarzuela o Moncloa, los aviones, las salas de espera, las noches sin dormir escuchando el sonido de las bombas, los llantos o el mudo silencio del miedo. Ahora, ha llegado la hora de contarle al mundo cómo se pueden sembrar palabras y armonías allá donde se emplea el mísero lenguaje de la violencia.

Canciones
1- Tiempos Rotos (adap al castellano del famoso tema seven seconds de Nereh Cherry).
2- Lo saben hasta las estrellas (autor: Coti Sorokin; guitarras: Pedro Salinas)
3- La frontera (autores: Toli Morilla y Cristina del Valle; percusiones étnicas: Maria José Hevia).
4- Nada que ofrecerte (autor: Carlos Chaouen; Bajo Fretless : Juan Carlos Mendoza)
5- La mora judía (autor: Jorge Drexler; guitarra flamenca: Toni Jimeno).
6- Rescatar una ciudad (autora: Esmeralda Grao, guitarras: Pedro Salinas, violin: Judith Mateo)
7- Sueño (autor: Jose Ramón Vazquez, percusiones étnicas Maria José Hevia)
8- Sara Saray (autora Rin Banna, adp de Esmeralda Grao, participa en los coros Cecilia Blanco)
9- Salma (autora: Cecilia Blanco)
10- Agua (autores: Toli Morilla y Cristina del Valle; Flauta y gaita: Jose Ángel Hevia)

Aquí podeís escuchar algunas de las canciones que componen este disco, el que por su puesto os recomiendo, ya no solo por la causa social que contiene sino por los ritmos étnicos que son fantásticos, las guitarras, el violin, los coros y por su puesto por la preciosa voz de Cristina del Valle. Espero que os guste.

2009-05-23T13:42:00.013-05:00

El unicornio es una animal fabuloso, con figura de caballo y con un cuerno recto en mitad de la frente. Protagonista de numerosas historias y leyendas, se decía que su cuerno podía purificar las aguas contaminadas para volverlas potables y brindaba protección contra todos los venenos así como enfermedades. El unicornio ha sido representado por múltiples artistas a lo largo del tiempo. Dos de las representaciones más célebres son el tapiz : La dama y el unicornio, y Los unicornios (Gustave Moreau). También es el caso del más famoso álbum del cantautor cubano Silvio Rodríguez: Unicornio, el tema mi unicornio azul lo puedes escuchar aquí.

+ Imágenes del unicornio

La música en la Edad Media. Trovadores y goliardos (II)

2009-04-26T14:55:00.011-05:00

Junto con los monasterios y abadías, que eran los principales centros conservadores y creadores de cultura, vive el pueblo, que forzosamente ha de crear su propio lenguaje musical para expresar sus deseos y aspiraciones cotidianas y no solamente los relativos a la religión. Aunque esta música siempre existió, comienza a escribirse y, por tanto, a ser conocida, en el s ix.

La llegada de los trovadores estimulaba la imaginación de las gentes ávidas de acción y fantasía. Sus creaciones tenían como base una melodía articulada a un poema, al cual el trovador añadía un simple y primario acompañamiento instrumental : generalmente instrumentos de cuerda como la viella (violín medieval) o el laúd.

El arte trovadoresco fue ejercido por hombres y mujeres que procedían de los más diversos estratos de la sociedad (desde reyes hasta desconocidos). A las mujeres trovadoras se las llamó trobairitz

Guillermo ix, duque de Aquitania (1071-1127) es el más antiguo trovador conocido, aunque posiblemente tuvo antecesores. En la imagen superior podemos ver a su nieta, Leonor de Aquitania(1122- 1204), reina de Francia e Inglaterra, demostró un gran talento musical desde su infancia y fue trovadora y mecenas de trovadores. Pero sus trabajos musicales y poéticos, como el de otras mujeres trovadoras no le sobrevivieron.
Leonor de Aquitania, es uno de los personajes femeninos más interesante de todas las épocas. Su lucha contra la imposición masculina y su capacidad de independencia la muestran aún, hoy en día, como un sólido referente de los derechos femeninos ante la sociedad machista.

Otras trobairitz que destacó fue la Condesa Beatriz de Día (1180/1212). No se conoce mucho acerca de esta trovadora. Se sabe que era una dama hermosa de la nobleza, que se convirtió en la esposa de Guilhem de Poitiers, pero que se había enamorado del Trovador Raimbaut d'Aurenga, al que le dedicó algunas trovas. Su canción "A chantar m'er de so qu'eu no volria", es la única pieza trovadoresca de autoría femenina cuya música sobrevive intacta.

Debajo puedes escuchar esta hermosa trova y si quieres ver la letra clic aquí.

España produce un arte musical propio cuyo ejemplo es la obra las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio: una colección de 417 melodías de muy diversos tipos: tonadas de los trovadores provenzales, viejos romances españoles y cantos de influencia árabe y judía. La primera cantiga es un prólogo en el que teoriza sobre la actividad de trovar. A continuación podemos escuchar la cántiga 119 interpretada por Luar na Lubre:

En la corte de Alfonso X el Sabio, en España destacó María Perez conocida como la Balteira, cantante y compositora, que acompañó a cantantes y juglares, y se creó una reputación de mujer irresistible, descarada y jugadora, aunque finalmente dio un giro a su vida y decidió dedicarse a la beneficencia.

En cuanto a los instrumentos musicales, destacaron el arpa, la viola, el cuerno, la zanfoña, el salterio, los címbalos, la gaita, el tamboril o el órgano portativo. Este último es el instrumento que toca la joven medieval de la imagen.

Los aportados por los musulmanes sustituyeron en la Península y, por tanto, en Europa a la exigua variedad y primitivismo de los previamente existentes. Entre los principales pueden citarse a la cítara, el dulcémele, la guitarra, el laúd, el pandero, timbal... De estos se derivarían otros que serían fundamentales en la evolución de la música europea, como el clavicordio y el piano, que tuvieron como antecesor al “santur” o dulcémele. Dentro de los instrumentos de cuerda frotada, el más importante de ellos fue el rabel andalusí. Se le considera como el predecesor del violín, violonchelo y todos los demás instrumentos orientales del mismo tipo. Su sonido, bajo y zumbante, se utilizaba tradicionalmente para acompañar la voz. Sin embargo, su actividad está desapareciendo en la actualidad, usándose solo en Marruecos y norte de África.

Respecto a los músicos del Al-Andalus (711-1492) destaca el año 822 en el que se produjo la subida al trono de Abderramán II, emir protector de las artes y el primero de Al-Andalus en fundar un conservatorio musical. En su corte tuvo un músico de origen persa, gran tañedor del laúd: Abu al Hassan Alí Ibn Nafeh (789-857), apodado Ziryab, “el pájaro negro cantor”. Ziryab destacó como auténtico mecenas en su corte, siendo considerado como el fundador de la escuela musical andalusí.

Respecto a las mujeres, a muy pocas, y casi siempre esclavas, se les permitía el acceso a la cultura. Algunas de ellas eran poetisas, cantoras y músicas. En la imagen podemos ver una de las pinturas (del la 1ª mitad del s. XIV) murales del Partal, en la Alhambra: escena de grupo de mujeres que celebran una fiesta sentadas en el suelo con instrumentos.

"Aquél que no se conmueve con la dulzura de la música,es ciego de corazón y entendimiento. [...]Aquél que reprocha la música,está envuelto en la ignorancia que no le deja ver".
Abd Al-Yabar al-Fayiyi

Los goliardos, frailes mendicantes que vivían de la limosna, cantaban al vino y al amor, y empleaban un latín macarrónico, con el que a la vez que imitaban los cantos religiosos, se mofaban de las cosas más sagradas. El goliardo no era inculto, propagador de nuevas ideas, que por primera vez (junto con los trovadores) independizaron la música de sus funciones litúrgicas.

El compositor alemán contemporáneo Carl Orff (1895) tiene un oratorio escenificado, titulado Carmina Burana con texto goliardesco protagonizado por estos personajes.

La música en la Edad Media (s.v-xvi) El canto gregoriano.(I)

2009-04-18T06:04:00.006-05:00

Al final del Imperio Romano ( año 476 de nuestra era), se desarrolla una nueva música gracias al impulso de la iglesia.

Se sabe que los primeros cantos de la Iglesia primitiva, estaban inspirados en ritos judíos y en melodías paganas antiguas. Como influencia tardía de la música griega , aparece entre los cristianos una forma de origen popular: el himno. Se trata esencialmente de una canto de alabanza a Dios.

El Canto Gregoriano conocido también como canto llano: en el año 313, el edicto de Milán autoriza oficialmente la celebración del culto cristiano; nada se opone ya al desarrollo de la música litúrgica. Pero la aparecición de muchas comunidades cristianas (sira,griega,céltica,hispánica...), hace que proliferen formas muy diversas de canto sagrado, se produce entonces una constante infiltración de temas profanos en la liturgia cristiana.

Desde el s iv la amenaza que pesa sobre la unidad de la iglesia lleva a los papas a unificar el canto litúgico pero esta unificación no empezó a dar resultado hasta que el papa San Gregorio Magno(540-604) decidió organizar y recoger la música que los cristianos cantaban, naciendo así el canto gregoriano.

Características del canto gregoriano:
1) Usa 8 escalas especiales llamadas modos.
2) El ritmo es libre y de una medida matemática.
3) Monódico ( a una sola voz ) , a "capella" y sin acompañamiento de instrumentos.
4) Se canta en latín.
5) Música unida a un texto religioso sin el cual no tiene sentido.
6) Su finalidad es esencialmente religiosa: pretende aproximar el alma del creyente a Dios.
7) Se escribe en tetragramas (4 líneas) con notas cuadradas.
- En los monasterios y catedrales donde el Gregoriano tuvo y tiene, plena vigencia.
- Los monjes del monasterio de Silos (Burgos) han grabado varios discos y CD de Gregoriano y han vendido millones de copias en todo el mundo.

La comunidad de monjas benedictinas del Real Monasterio de San Pelayo, de Oviedo, considerada como uno de los mejores colectivos de voces femeninas en la interpretación de canto gregoriano, ha publicadodiversos CD's sobre canto gregoriano y polifonía religiosa, interpretados por la Comunidad:co compacto de esta ancestral música religiosa. El disco, Cantate domino, alleluia, grabado por Radio Nacional de España y editado por el sello RTVE Música, compendia una selección de 24 de las más bellas piezas del gregoriano.Los monjes del monasterio de Silos fueron los que recomendaron grabar este compacto con la comunidad de monjas pelayas, por considerarlas uno de los más selectos reductos de esta música de oración. La abadesa de este monasterio de clausura, María Teresa Álvarez, afirmó que el disco pretende ser "una aportación a la cultura".

Algunos artistas modernos han pretendido popularizar este canto y han surgido proyectos musicales como Era (acróstico de Enminential Rhythm of the Ancesterses) del francés Eric Lévi. Pues gran parte de sus canciones están basadas en el canto gregoriano medieval en latín, aunque sólo en su estilo, ya que no se trata de música religiosa. Dicho género se podría describir como New Age, similar al de otros artistas como Enya, Enigma y Deep Forest.

Historia de la notación musical

2009-04-12T14:37:00.010-05:00

Desde el s IX al XII se desarrolla el sistema de los "neumas": signos elementales escritos sobre cada sílaba del texto.

Los neumas no indicaban ni la alturas de los sonidos, ni el ritmo, ni la tonalidad. Luego el elemento ppal de este tipo de notación era la memoria del intérprete.

La escritura musical conoció una importante evolución al sustituir la caña por la pluma de ave que dejará un trazo cuadrado sustituyendo la notación cuadrada al sistema de neumas anterior.

Sin embargo, el progreso más "revolucionario" se produjo cuando comenzaron a utilizarse lineas para fijar la altura de los sonidos musicales. Al principio una linea roja trazada encima del texto, generalmente indicaba la nota fa y servía como referencia a los demás sonidos. Luego se añadió una segunda línea en color amarillo o verde para indicar un Do. A finales del s. XIII, la extensión de las melodías del hacia el grave y hacia el agudo, impuso la necesidad de añadir dos líneas más, dando lugar al tetragrama o pauta de cuatro líneas. (Abajo: detalle del canto gregoriano de la fiesta de la Asunción de la Virgen, en notación sobre tetragrama, siglo XV).

Curiosamente, en algunos manuscritos se puede ver pautas de cuatro, cinco, seis y hasta diez líneas. Finalmente en el s XVI se generaliza el empleo de la pauta de cinco lineas o pentagrama.

El nombre actual de las seis primeras notas de la escala musical, se debe al monje benedictino Guido de Arezzo que invent un sistema concebido para enseñar a los niños a partir de este himno a San Juan Bautista. La melodía de Guido daba a la primera sílaba de cada verso un sonido diferente, que coincidía con los sonidos de la escala. Con el tiempo la primera sílaba se cambió por Do y se añadió el Si uniendo la "S" y la "I" de los dos últimos versos.

Así mismo, este monje ideó un sistema de aprendizaje de los sonidos, intervalos y escalas que se hizo famoso y fue usado durante muchísimos años, conocido como la mano guidoniana.

La notación neumática así como la cuadrada supusieron grandes progresos en la escritura musical, pero quedaba impreciso el ritmo a adoptar, era pues necesario fijar la duración de los sonidos. Surge la notación mensural (S. XIII). (las notas tendrán formas diferentes según su duración). Las formas angulosas pasaron a ser redondas en el s xVII dando origen a las notas actuales., también se impondrá el sistema de compases, y empezaron a emplearse las indicaciones de tiempo: allegro, adagio...

Durante los s XVIII y IX comienzan a utilizarse matices de dinámica, matices de intensidad y, en general surge una tendencia generalizadora a escribir todos los detalles expresivos en la partitura.

La invención de la imprenta en 1455 supuso un cambio radical para la divulgación de las partituras. A partir de 1700, con la llegada de la burguesía al poder, se empezará a producir y a distribuir música impresa a gran escala. Es éste el principio de una evolución que, ayudada por los avances tecnológicos, ha desembocado en la actual presencia constante de la música en nuestra vida cotidiana.

2009-04-11T00:30:00.002-05:00

Música: el movimiento del alma

La música, alegra al melancólico, infunde coraje y valor a quien desespera, enorgullece al humilde, calma el dolor, puebla la soledad y debilita la envidia y el odio.

Algunas frases célebres:

"Después del silencio, lo que más se acerca a expresar lo inexpresable es la música".
Aldous Huxley

"En la música todos los sentimientos vuelven a su estado puro y el mundo no es sino música hecha realidad".
Arthur Schopenhauer

"La música constituye una revelación más alta que ninguna filosofía".
Ludwig Van Beethoven

"La música es el arte más directo, entra por el oído y va al corazón".
Magdalena Martínez

"La música es la armonía del cielo y de la tierra".
Yuel-ji

"La música es sinónimo de libertad, de tocar lo que quieras y como quieras, siempre que sea bueno y tenga pasión, que la música sea el alimento del amor".
Kurt D. Cobain

"La música es un eco del mundo invisible".
Giuseppe Mazzini

"Sin música la vida sería un error".
Friedrich Nietzsche

La Madre Teresa de Calcuta

2009-04-10T15:05:00.014-05:00

Madre Teresa de Calcuta (1910-1997) monja católica nacida en Skopje y,posteriormente, nacionalizada india.

Cuando tenía dieciocho años, animada por el deseo de hacerse misionera, dejó su casa para ingresar en el Instituto Hermanas de Loreto, en Irlanda.

Tras aceptar sus primeros votos en 1931, Maria Teresa fue destinada a la comunidad de Loreto Entally en Calcuta, donde enseñó en la Escuela para chicas. Se convirtió en directora del centro en 1944.

Caracterizada por su caridad, altruismo y coraje, por su capacidad para el trabajo duro y por un talento natural de organizadora, los veinte años que Madre Teresa permaneció en Loreto, estuvieron impregnados de profunda alegría.

Pero la continua presencia de enfermos y moribundos en las calles de Calcuta le llevó a pedir permiso para dejar su puesto en su amado convento de Loreto y dedicarse desde 1948 a cuidar a los enfermos más pobres.

Madre Teresa fundó una congregación religiosa: Misioneras de la Caridad, dedicadas al servicio de los más pobres entre los pobres. Pasaron casi dos años de pruebas y discernimiento antes de que Madre Teresa recibiese el permiso para comenzar.

En 1952 abrió en Calcuta la Casa de Moribundos Indigentes Nirmal Hriday; con el tiempo extendería los centros de la orden por los cinco continentes.

Sin embargo, su inspiración no se limitò solamente a aquellos que sentían la vocación a la vida religiosa. Creó los Colaboradores de Madre Teresa y los Colaboradores Enfermos y Sufrientes, personas de distintas creencias y nacionalidades con los cuales compartió su espíritu de oración, sencillez, sacrificio y su apostolado basado en humildes obras de amor. Este espíritu inspiró posteriormente a los Misioneros de la Caridad Laicos.

Toda la vida y el trabajo de Madre Teresa fue un testimonio de la alegría de amar, de la grandeza y de la dignidad de cada persona humana, del valor de las cosas pequeñas hechas con fidelidad y amor. Numerosos premios, comenzando por el Premio Indio Padmashri en 1962 y de modo mucho más notorio el Premio Nobel de la Paz en 1979, hicieron honra a su obra. Al mismo tiempo, los medios de comunicación comenzaron a seguir sus actividades con un interés cada vez mayor.

A pesar de su cada vez más precaria salud, no abandonó la actividad a la que había consagrado su vida hasta el mismo momento de su muerte, ocurrida el 5 de septiembre de 1997 en Calcuta.

Algunas frases célebres de la Madre Teresa:

- " Muchas veces basta una palabra, una mirada, para llenar el corazón de un niño ".

-" La falta de amor es la mayor pobreza."

-" Los mas pobres de entre los pobres son nuestros hermanos y hermanas".

- "Si tienes éxito y te ganas amigos falsos y enemigos verdaderos, lucha de todos modos".

- "A veces sentimos que lo que hacemos es tan solo una gota en el mar, pero el mar sería menos si le faltara esa gota".

Nacimiento de la música

2009-03-30T16:42:00.008-05:00

La prehistoria

La música ha acompañado al ser humano desde sus orígenes. El canto y la danza son más antiguos que las pinturas rupestres. En el paleolítico superior, hace unos 40 000 años se utilizaban ya instrumentos tales como el arco musical y la flauta perforada.

En la imagen de la izquierda podemos contemplar una figura del palelitico superior tallada sobre roca: Venus de Lausell. En espcial, esta mujer sostiene un cuerno en su mano, ésta podría ser una de las primeras representaciones de un instrumento musical y las mujeres sacerdotisas, demostrando las relaciones milenarias entre las mujeres y la música.

La antigua Mesopotamia

Las grandes civilizaciones atribuyeron a la música virtudes mágicas y curativas y le prestaron particular atención en actos religiosos y rituales.
Se cree que el rito musical más antiguo pertenece a los sumerios a la primera civilización urbana en el mundo. La importancia de la mujer entre los sumerios era mucho mayor que la que tuvo en la historia posterior. En efecto, la mujer sumeria podía tener propiedades, firmar contratos, ser comerciante, instrumentista e incluso diosa. Por ejemplo, es probable, que los himnos a la diosa Inanna se cantaran durante las ceremonias acompañados por instrumentos como flautas, tambores y címbalos y un tipo de arpa muy parecido al actual.

A la derecha: arpista sumeria en un relieve de barro

Egipto

Arriba: pintura procedente de la tumba de Nakht, son tres mujeres egipcias tocando instrumentos musicales.

Las pinturas y las esculturas nos muestran que el arpa, la lira, la trompeta y el timgal eran conocidos en las orillas del Nilo. Himnos brillantes celeraban a Hathor, diosa del amor y de la música, así como a otras divinidades.

Una música profana presidía en los banquetes, vendimias, cosechas y fiestas campestres.

La polifonía a dos o a tres voces existía ya entonces.

Grecia

Los filósofos griegos consideraron a la música fuente de sabiduría y purificacion, matemática misteriosa, síntesis perfecta de la poesía, la danza y el canto. Crearon una ordenación musical y un precario sistema de notación. Mientras que el más famoso de ellos Pitágoras propugnó que el universo estaba regido por leyes numéricas, que eran también las de la música.

La cítara (representada en la imagen de la izquierda: en el que aparece una de las Tres Musas. Bajorelieve de Mantinea) , aparece a menudo en las representaciones de dioses como Apolo o musas como Terpsícore (musa de la danza). Otro instrumento el aulós, precursor del oboe y el clarinete, producía sonidos muy variados.

La música siempre monódica (una sola voz) a veces era compuesta por grandes poetas como Eurípides o grandes poetisas como Safo.

Roma

Por primera vez en la historia, la música se convierte en pura diversión, su función ética y religiosa desaparece. Bailarines y músicos son en su mayoría esclavos. La música religiosa ha desaparecido: renacera para un nuevo culto, en las catatumbas donde se refugian los primeros cristianos durante las persecuciones.

Santa Cecilia (a la derecha) patrona de la música e inventora del órgano de caños, fue una noble romana convertida al cristianismo que fue martirizada por su fe. Siempre se la representa con uno o varios instrumentos y rodeada de ángeles cantores.

Microcréditos: créditos para los pobres

2009-03-22T12:13:00.005-05:00

Su vida es la de un hombre que un día soñó con ‘Un Mundo sin Pobreza’ y decidió actuar, emprender un camino para cambiar lo establecido. Era posible ofrecer algo más a aquellos a los que la sociedad y el sistema les daba de lado; era posible que los pobres tuvieran la oportunidad de luchar por otra vida. Ese hombre se llama Muhammad Yunus.

Describe la actual crisis como "un terremoto que se extiende por todo el mundo" pero también como "una oportunidad para el cambio". Y recuerda que aunque muchas empresas están perdiendo mucho dinero, la gente que realmente está sufriendo son aquellos que pierden sus puestos de trabajo y los que pasan hambre...

Con las cifras de morosidad de su banco (El 99% de sus clientes devuelven el dinero prestado), lanza una pregunta directa a los bancos 'capitalistas', a los que le tildaron de inconsciente cuando decidió prestar dinero sin aval a los pobres: "¿Quién es más solvente?".

Este banquero y economista que nació en Bangladesh (uno de los países más pobres y poblados del mundo), decidió combatir la hambruna q asolaba a este país mediante los microcréditos: pequeños préstamos sin garantía concedidos a personas humildes que no pueden solicitar un préstamo bancario tradicional para que puedan realizar una actividad independiente y creativa.

En 1976, a pesar de la enorme resistencia y los numerosos rechazos de las entidades bancarias de Bangladesh, consiguió fundar el Banco Grameen (banco rural), que en 1983 obtuvo la calidad de banco autónomo. Esta entidad "banco del pueblo" ha beneficiado a siete millones y medio de personas, propietarias ellas mismas del banco, en su gran mayoría mujeres, que reunidas en grupos de cinco o más, solidarias y responsables, consiguen reembolsar 9 de cada 10 de sus pequeños préstamos en contra de lo esperado. "Cuando una mujer consigue rendimientos por su actividad, los que se benefician en primer lugar son sus propios hijos", nos dice Muhammad Yunus.

Este brillante economista se dio cuenta de que las mujeres no sólo eran mucho más fiables a la hora de devolver el dinero, sino que eran infinitamente más responsables en el uso que hacían de él, invirtiéndolo no en placeres fugaces, sino en la familia y el hogar. Con lo cual Yunus decidió dedicarse a ser no tanto "el Banquero de los Pobres", sino el de las mujeres pobres. Hoy sólo el 3% de los que se benefician de los préstamos de Grameen son hombres.

Gracias a su éxito, el modelo del Banco Grameen, es seguido en todos los continentes, sin embargo, Yunus cree que el microcrédito debe calar más en la sociedad y por eso, no entiende por que no se valora al microcrédito como la gran herramienta que es en la lucha contra la pobreza, "después de tantos años de continuas demostraciones, de explicar cómo se puede redefinir el sistema financiero", se lamenta.

Una idea esencial para Yunus es la importancia de crear empresas que tengan valores sociales, es decir, que permitan ganar dinero y dedicar parte de esos ingresos a ayudar a los más pobres. Para este visionario la empresa social es, sin duda, una gran oportunidad para combatir la pobreza en estos tiempos.

Yunus que ha sido galardonado con el Premio Nobel de la Paz (2006), "por sus esfuerzos para incentivar el desarrollo social y económico desde abajo", con el Premio Príncipe de Asturias de la Concordia (1998), entre otros muchos reconocimientos, sueña en voz alta, con que los niños del mañana vean la pobreza en un museo.

Complicadas contradicciones

2009-03-21T19:31:00.004-05:00

A veces una pregunta puede ser más o menos complicada de contestar dependiendo del enfoque desde el que se plantea. Pero a veces el enfoque se complica tanto que termina siendo contradictorio. Por ejemplo, una pregunta muy frecuente:

¿Cómo eliminar el hambre y la pobreza del mundo uniendo nuestra inteligencia y esfuerzos para otras tareas ajenas o incluso que empeoran la situación?

Y lo más curioso es que nos encantan este tipo de preguntas porque al no tener una respuesta las dejamos a un lado... Así, una minoría es la que termina intentando crear soluciones dentro de la contradicción generada (ej ONGs...).

Conclusión: no sería más sencillo plantear la cuestión desde un enfoque más logico y humano:
¿Cómo eliminar el hambre y la pobreza en el mundo uniendo tod@s nuestra inteligencia y esfuerzos para ello?

Y para rizar más el rizo hay preguntas que pareciendo contradictorias no lo son, por ejemplo: se puede ganar dinero ayudando a quienes más lo necesitan? Muhammad Yunus nos ha demostrado que sí se puede. Más info haz clic aquí.

Judith Mateo

2009-03-20T16:30:00.000-05:00

Hablar de música celta en nuestro país, es hablar de grandes músicos e intérpretes, de bandas de gaiteros, de voces melancólicas, de tradición mezclada con los ritmos de la modernidad. Judith, busca desde las tierras donde los molinos y la llanura manchega dominan el paisaje, aunar su pasión por esta cultura con la armonía de su violín. Judith además es miembro de la Plataforma Mujeres Artistas contra la violencia de genero que preside Cristina del Valle.

Con más de trescientos conciertos a sus espaldas, dos trabajos discográficos publicados (Tir Nan Og, 2003 y Mientras el cielo no se caiga, 2007), Judith es ya reconocida como uno de los valores más importantes de la música celta en nuestro país y ha sido considerada por los críticos y medios de comunicación como “la revelación de la música celta”.

Sus canciones parten de versiones tradicionales y temas propios, razón por la que su música conecta desde el principio con un público muy variado. En el espectáculo que ofrece Judith la tradición celta se une con la fusión de los ritmos más actuales, como el funky o el ska, dando cabida también a los influjos orientales, árabes y al mestizaje. Tal vez sea esta original reinvención de la música celta, así como su espectacular puesta en escena, la que haya consagrado a Judith como una de las artistas más prometedoras de la escena celta actual.

Los celos no son amor

2009-03-07T07:51:00.000-06:00

Los celos han sido, desde hace siglos, argumento recurrente y fértil de la literatura aunque constituyan también el germen de demasiados sucesos desgraciados
Podríamos definirlos como un estado emotivo ansioso que padece una persona y que se caracteriza por el miedo ante la posibilidad de perder lo que se posee-tiene, o se considera que se tiene-posee, o se debiera tener-poseer (amor, poder, imagen profesional o social...).
En el ámbito sentimental, el rasgo más acusado de los celos es la desconfianza y sospecha permanentes en el otro que tiñen, y perjudican gravemente, la relación con la persona amada. La mayoría entendemos por celos ese confuso, paralizador y obsesivo sentimiento causado por el temor de que la persona depositaria de nuestro amor prefiera a otra en lugar de a nosotros.

Los celos, en contra de lo que podría parecer y de lo que sugieren algunas letras de canciones, argumentos literarios o guiones de películas, no son consecuencia de un gran amor, ni indican cuánto se quiere, se necesita o se desea a la otra persona. Y, normalmente, quienes padecen preferentemente estos ataques de celos son personas muy centradas en sí mismas, que sólo se curarán saliendo de su autoencierro. En muchas situaciones de celos hay, más que amor o miedo a la soledad, otras causas: sentimientos de posesión del otro, de necesidad de controlarle, de inseguridad en uno mismo, de envidia hacia la mayor riqueza de la vida emocional del otro...

"Los celos son malos consejeros" dice el refrán. No desdeñemos su importancia ni dejemos que se nos cuelen como sentimientos normales o que hasta tienen su encanto, por cuanto trasmiten " es celoso por lo mucho que me quiere". En la realidad cotidiana, los celos rompen y enturbian las relaciones, y los individuos celosos acaban minando, con su posesividad y persecución asfixiantes, el gozo y el placer del encuentro, el equilibrio en la pareja, que se basa en la ternura, la comprensión, la tolerancia y el respeto a la autonomía del otro.

Más información en: http://revista.consumer.es/web/es/20000601/interiormente/30378.php

"El amor es lo mejor que la vida nos puede ofrecer, no lo peor"
Cristina del Valle cantante española

8 de marzo:

2009-03-06T11:37:00.001-06:00

Día Internacional de la Mujer

El dia internacional de la mujer se celebra cada 8 de marzo en todo el mundo para luchar por los derechos de la mujer.

Origen

El origen de esta fecha se remonta a 1857, cuando miles de mujeres trabajadoras de fábricas textiles de Nueva York organizan una marcha en protesta por las extenuantes jornadas de más de 12 horas a cambio de salarios miserables (entre un 60 y un 70% más bajos que los de los hombres) y las condiciones inhumanas de trabajo.

El 8 de marzo 1908 las obreras de una fábrica textil neoyorquina (Cotton Textil Factory) se declararon en huelga, y ocuparon la fábrica para reclamar sus derechos. Durante esta huelga pacífica las 129 mujeres murieron quemadas en un incendio provocado por los propios dueños de la fábrica.

A partir de noviembre de 1908 las trabajadoras del sector textil protagonizaron numerosas huelgas en el East Side de Nueva York. Hasta 20.000 obreros, en su mayoría mujeres, paralizaron las fábricas durante trece semanas, sufriendo despidos, ataques de los esquiroles, hambre y más de 600 detenciones, pero triunfaron al final. En marzo del 1909 se convocó una manifestación que reclamaba mejores condiciones de vida y de trabajo para las mujeres inmigradas, la abolición del trabajo de los niños y el derecho de voto femenino.

En 1910, la Conferencia Internacional de Mujeres Socialistas, celebrada en Copenhague, proclamó el Día Internacional de la mujer Trabajadora, a propuesta de la feminista alemana Clara Zetkin, como una jornada de lucha por los derechos de las las mujeres trabajadoras de todo el mundo. La propuesta de Zetkin fue aceptada unánimemente por la conferencia de más de 100 mujeres procedentes de 17 países, en recuerdo del aniversario de la muerte de 146 obreras en un incendio provocado en una fábrica textil de Nueva York.

Reconocimiento

El 8 de marzo de 1977 las Naciones Unidas declaró esta fecha como ‘El Día Internacional de Mujeres Trabajadoras’, como recuerdo al incendio de la fábrica de New York (1908). Desde aquel acontecimiento se ha establecido como símbolo el color violeta para representar los esfuerzos de las mujeres que murieron, puesto que las mujeres cosían tejidos en ese color.

Lentamente, y a medida que el feminismo ha ido cobrando fuerza en todo el mundo, el Día de la Mujer ha ido perdiendo su carácter obrero, pasando a ser una jornada de lucha en la que se reclaman los derechos de todas las mujeres en todos los ámbitos. Año tras año, miles de mujeres salen a las calles de todo el mundo para demandar nuevos derechos, defender los ya conquistados y luchar contra aquellas leyes que las discriminen o que rechacen el principio de igualdad de sexos y de oportunidades.

Situacion actual: datos del Banco Mundial

La brecha de salario entre hombres y mujeres alcanza en algunos países el 40%

Las mujeres representan más de la mitad de la mano de obra agrícola en el mundo.

70% de los 1.200 millones de personas que viven en el mundo en situación de extrema pobreza son mujeres, al igual que el 60% de los 550 millones de trabajadores pobres que existen.

En promedio mundial, las mujeres reciben entre un 30 y un 40 % menos de salario por el mismo trabajo.

Dos tercios de los analfabetos del planeta son mujeres y niñas, hay más mujeres infectadas de sida que hombres.

Sólo un 14,1% de los miembros de los parlamentos del mundo son mujeres, aunque el porcentaje ha aumentado desde el 11,7% registrado en 1997.

De los 189 representantes diplomáticos de máximo rango ante la ONU, sólo 11 son mujeres.

Acuérdate

En los últimos cien años, los derechos de la mujer han avanzado a través de varias conquistas. Sin embargo, queda aún mucho por hacer. Las mujeres y las niñas siguen sufriendo discriminación y violencia, que las priva de independencia y del disfrute de derechos humanos fundamentales; son las más afectadas por la pobreza, la degradación medioambiental y las enfermedades y a menudo se las elige como blanco en los conflictos armados o debido a tradiciones culturales y religiosas.

A pesar de todo esto las mujeres están trabajando para cambiar su realidad. Actuando como defensoras de derechos humanos o simplemente como miembros de su familia y de su comunidad y ciudadanas, las mujeres se han convertido a menudo en motores del cambio social positivo y del progreso de los derechos humanos para todos. Al mismo tiempo, a menudo se las elige como víctimas precisamente por representar estos derechos humanos.

La violencia contra las mujeres es probablemente la violación de los derechos humanos más habitual y que afecta a un mayor número de personas. En todo el mundo las mujeres sufren de discriminación a causa de su género.

2009-02-19T17:23:00.012-06:00

Del mar azul

Del mar azul las transparentes olas,
mientras blandas murmuran
sobre la arena, hasta mis pies rodando,
tentadoras me besan y me buscan.
Inquietas lamen de mi planta el borde,
lánzanme airosas su nevada espuma,
y pienso que me llaman, que me atraen
hacia sus sales húmedas.
Mas cuando, ansiosa, quiero
seguirlas por la líquida llanura,
se hunde mi pie en la linfa transparente
y ellas de mí se burlan.
Y huyen abandonándome en la playa
a la terrena inacabable lucha,
como en las tristes playas de la vida
me abandonó, inconstante, la fortuna.

Rosalía de Castro

Cristina del Valle

2009-02-18T13:36:00.005-06:00

Asturiana, pero ciudadana del mundo, la dimensión de Cristina del Valle va mucho más allá su oficio de cantante. "Tiempos rotos", es el último proyecto en el que se encuentra inmersa Cristina del Valle, tras una fugaz reagrupación de Amistades Peligrosas, uno de los grupos españoles de pop más laureados de los noventa.
"Tiempos Rotos" es también un espectáculo multimedia en el que las canciones van acompañadas de imágenes alusivas. Son pequeñas muestras de cómo anda el mundo de mal, y la postura de Cristina ante las injusticias y abusos.Y es que Cristina del Valle es una luchadora contra la desigualdad. Como mujer, ha hecho de la lucha femenina su expresión más vital. Su actitud y postura no es de voluntarismo bien intencionado que a la postre se queda en nada. Ellas es una activista que se ha embarcado en multitud de proyectos. Fundadora y presidenta de la Plataforma de Mujeres Artistas Contra la Violencia de Género, se faja constantemente por reclamar el derecho de las mujeres a ser felices, a vivir en libertad y sin la violencia que el hombre -y el mundo- ejerce sobre ellas. No se ha mostrado impotente ante nada y quiere acabar con la impunidad de las acciones violentas masculinas que empiezan en el hogar y acaban ocupando países. La cultura de la violencia en la que vivimos inmersos, asegura Cristina, no existiría si el mundo se mirara desde la perspectiva de una mujer, en la que se antepone la ternura, el cariño, la sensibilidad y los valores mucho antes que otras cosas.
Ha sido nombrada Embajadora de la ONU para los Objetivos del Milenio, ese proyecto multinacional que pretende ir acabando poco a poco con la pobreza en el mundo, y mantiene en pie el espectáculo. Ellas dan la nota, donde la música y la poesía se unen en un acto de protesta y denuncia contra la violencia de género. a Cristina del Valle nada la detiene. Con la Plataforma que preside ha recorrido Palestina en más de una ocasión para gritar ante sus muros que cese ya la ocupación israelí; ha llegado a Ciudad Juárez, al norte de México, para abrazar a las madres humildes de hijas violadas o desaparecidas; ha pateado las calles de Bagdad pocos días antes de la ocupación para intentar parar la guerra inútil que no ha traído más que destrucción y dolor; se ha fundido entre las dunas del desierto con las mujeres saharauis que han organizado la vida civil en los campamentos de refugiados; ha estado en las cárceles, en las casas de acogida de mujeres víctimas de agresiones y malos tratos… ha llevado su voz al Parlamento Europeo, a la ONU, al Palacio de la Zarzuela y al de la Moncloa con sus dos últimos inquilinos. De todo ello ha extraído ricas vivencias que, ayudada por una pantalla de vídeo y las coreografías de la bailarina Alma, vierte en Tiempos Rotos, una obra repleta de canciones que han compuesto para ella Esmeralda Grao, Rin Banna, Cecilia, Carlos Chaouen y Coti, entre otros. Pop y ritmos étnicos y arabizantes para cambiar la vida, pues con Cristina del Valle sí se hace creíble eso de otro mundo es posible si de verdad se lucha por él.

Fernando Iñiguez, Crítico Musical de “El País”

El violin

2009-02-17T15:47:00.002-06:00

El violin es el más pequeño y agudo de los instrumentos de cuerda frotada. Se afina por intervalos de quintas: sol, re, la, mi. La cuerda de sonoridad más grave es la de "sol", y luego le siguen en orden creciente re, la, mi. La primera cuerda en ser afinada es la de "la", ésta se afina normalmente a una frecuencia de 440 Hz.

Su tesitura (extensión absoluta) alcanza varias octavas.

La agilidad del violin es muy grande, y su timbre es sonoro, vibrante, agudo y muy bello. La supremacía de que goza en la orquesta se debe a sus enormes posibilidades expresivas que le permiten pasar de un sonido majestuoso y solemne en sus cuerdas graves a otro juguetón, gracioso y salpicante en las agudas con un ligero movimiento del arco.

De toda la historia violinística merecen especial atención por su virtuosismo las obras de Paganini y Sarasate, sin olvidar nombres como Vivaldi, Corelli, Bach y todos los compositores románticos (Beethoven, Brahms, Mendelssohn...).

Aproximadamente unas ochenta piezas de abeto, arce, haya , cedro y ébano son necesarias para construir un violín. El secado de las maderas es importante pero lo que parece esencial y determinante para un buen sonido de este instrumento es la composición del barniz y el número de capas.

Los orígenes del violín son muy remotos, pero hasta el siglo xvi no comienza el apogeo de este instrumento basado, en gran parte, en la calidad inmejorable de los ejemplares construídos entonces. Se considera a Gasparo de Salò (1540) el pionero de estos grandes artesanos que fueron Niccolo Amati, Guiseppe Guarneri y Antonio Stradivari (1644-1737).

Viviane Hagner

2009-02-16T16:57:00.012-06:00

Hagner, que debutó profesionalmente con solo doce años, es una violinista laureada en muchas ocasiones por su apasionada maestría, ya que además de su profunda y virtuosa aproximación al repertorio clásico es una ardiente devota de la música contemporánea.
Desde que comenzó a trabajar de la mano de la Orquesta Filarmónica de Hamburgo, ha tocado con algunas de las mejores formaciones del mundo como la Filarmónica de Berlín o la Sinfónica de Chicago, además de actuar bajo la dirección de grandes maestros como Zubin Mehta, Daniel Barenboim o Kent Nagano.

Imágenes

Vídeo

Vanessa Mae

2009-02-14T16:39:00.004-06:00

Vanessa-Mae Vanakorn Nicholson, conocida como Vanessa Mae (nacida el 27 de octubre de 1978 en Singapur) es una violinista de formación clásica pero que se ha hecho famosa por sus grabaciones en las que mezcla piezas clásicas con pop, jazz, techno y otros ritmos modernos. La grabación que le dio la fama internacional fue The Violin Player (1994).

Este disco la mostró con un estilo al que ella misma bautizó como "fusión tecno-acústica".
Para los demás temas del disco se recurrió a la creatividad de Mike Batt, un experto en música pop instrumental. Los casi 3 millones de álbumes vendidos le aportaron importantes ganancias y pedidos de presentaciones en vivo desde todo el mundo.

Alfonsina Storni

2009-02-12T14:04:00.012-06:00

Alfonsina Storni fue una poeta y escritora argentina de origen suizo. Nació en Sala Capriasca (Suiza) en 1892. En 1896 su familia se trasladó a San Juan y años después, en 1901 se trasladaron a la ciudad de Rosario. Durante su niñez, su familia atravesó estrecheces económicas, y a partir de los diez años Alfonsina se empleó como lavaplatos, camarera, costurera y más tarde como obrera en una fábrica de gorras.

En 1907 Alfonsina reemplaza a una actriz enferma en una compañía de teatro que recorría las provincias. En una de sus cartas, escribe, refiriéndose a esta época: "este salto brusco, hijo de una serie de casualidades tuvo una gran influencia en mi actividad sensorial, pues me puso en contacto con las mejores obras del teatro contemporáneo y clásico(...) Pero casi una niña y pareciendo ya una mujer, la vida se me hizo insoportable. Aquel ambiente me ahogaba. Torcí rumbos..."

Cuando Alfonsina vuelve a Rosario decide estudiar la carrera de magisterio en Coronda, y allí recibe su título profesional. Consigue un puesto como profesora de arte dramático y se vincula a dos revistas literarias donde publica poemas suyos, si bien no hay testimonio de los poemas publicados durante el primer años, si sabemos de otros publicados al año siguiente en Mundo Argentino.

El nacimiento de su hijo Alejandro en abril de 1912 define en su vida una actitud de mujer que se enfrenta sola a sus decisiones. Durante esta época se empleó como cajera y colaboraba en la revista Caras y Caretas.

Su primer libro, La inquietud del rosal, publicado con grandes dificultades económicas, apareció en 1916 y marcó el comienzo de su carrera literaria. Es una obra que refleja las cuestiones intimistas y sentimentales de un nuevo romanticismo.

Influenciada por la corriente modernista, que traen poetas como Amado Nervo y Rubén Darío, publica sus siguientes obras: “El dulce daño” (1918); “Irremediablemente”(1919); y “Languidez”(1920), que recibió el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura, lo que la situó muy por encima de sus pares.

En 1922 Alfonsina estableció amistad con el pintor Emilio Centurión y con el escritor Horacio Quiroga quien la nombraba frecuentemente en sus cartas y su mención la destaca de un grupo donde había también otras escritoras.

Una larga amistad fue también la que mantuvo con Gabriela Mistral quien tras conocer a Alfonsina escribió "cabello más hermoso no he visto, es extraño como lo fuera la luz de la luna a mediodía. El ojo azul, la empinada nariz francesa, muy graciosa, y la piel rosada, le dan alguna cosa infantil que desmiente la conversación sagaz y de mujer madura" Gabriela quedó impresionada por la sencillez de Alfonsina, por su sobriedad, por su profundidad sin trascendentalismos. Y sobretodo por su cultura propia de una persona "que ha pasado tocándolo todo e incorporándoselo".

Alfonsina, intervino en la creación de la Sociedad Argentina de Escritores y su participación en el gremialismo literario fue intensa. En 1928 viajó a España en compañía de la actriz Blanca de la Vega y repitió su viaje en 1931, en compañía de su hijo. Allí conoció a otras mujeres escritoras, y la poeta Concha Méndez le dedica algunos poemas.

Sus viajes a Europa en 1930 y 1934, su vida amorosa y su lucha por el papel de la mujer en la sociedad de la época influyeron en un cambio de rumbo poético, que se refleja en sus libros de madurez, donde transforna la experiencia amorosa en cofidencia dramática, reflexiona sobre la condición femenina y transmite una audad sinceridad erótica. Públicó "Mundo de siete pozos" (1934).

Toda su obra refleja dramatismo, lucha y una audacia inusual para la época. Su temática es, sobre todo, amorosa, feminista y profunda, en donde se refleja un carácter singular.

En mayo de 1935 Alfonsina fue operada de un cáncer de mama, desde entonces se vuelve recluida y evita a sus amistades.

Tras publicar Mascarilla y trebol, en 1938 y una Antología poética con sus poemas preferidos, siguió un duro período de incertidumbre y temor por la renuencia de la enfermedad. El 23de octubre de ese año, Alfonsina viajó a Mar del Plata y en la madrugada del día 25 se internó en las profundas aguas del mar, en la playa "La Perla" por la mañana fue encontrada sin vida.

Actualmente se erige un monumento en la costa de Mar del Plata que la recuerda. Su trágico suicidio inspiró la canción Alfonsina y el mar de Ariel Ramirez y Felix Luna, interpretada por innumerables artistas, destacándose la versión de Mercedes Sosa.

Fuente: cervantesvirtual

Alma desnuda

Soy un alma desnuda en estos versos,

Alma desnuda que angustiada y sola

Va dejando sus pétalos dispersos.

Alma que puede ser una amapola,

Que puede ser un lirio, una violeta,

Un peñasco, una selva y una ola.

Alma que como el viento vaga inquieta

Y ruge cuando está sobre los mares,

Y duerme dulcemente en una grieta.

Alma que adora sobre sus altares,

Dioses que no se bajan a cegarla;

Alma que no conoce valladares.

Alma que fuera fácil dominarla

Con sólo un corazón que se partiera

Para en su sangre cálida regarla.

Alma que cuando está en la primavera

Dice al inviemo que demora: vuelve,

Caiga tu nieve sobre la pradera.

Alma que cuando nieva se disuelve

En tristezas, clamando por las rosas

Con que la primavera nos envuelve.

Alma que a ratos suelta mariposas

A campo abierto, sin fijar distancia,

Y les dice libad sobre las cosas.

Alma que ha de morir de una fragancia,

De un suspiro, de un verso en que se ruega,

Sin perder, a poderlo, su elegancia.

Alma que nada sabe y todo niega

Y negando lo bueno el bien propicia

Porque es negando como más se entrega,

Alma que suele haber como delicia

Palpar las almas, despreciar la huella,

Y sentir en la mano una caricia.

Alma que siempre disconforme de ella,

Como los vientos vaga, corre y gira;

Alma que sangra y sin cesar delira

Por ser el buque en marcha de la estrella.

Alfonsina Storni

Más poemas aquí.

Grandes compositorAs

2009-01-30T17:13:00.003-06:00

Siempre hablamos de grandes compositores, pero ¿ ha habido en la historia mujeres compositoras? La respuesta es, sin ninguna duda, afirmativa. Y trataré de explicarla en las siguientes lineas.

Cada sociedad ha intentado y continúa intentado limitar el papel de la mujer al trabajo doméstico, y a la continua obediencia y dependencia de la autoridad masculina. Las mujeres desde siempre han tenido que vencer muchos obstáculos para desarrollar su educación, su habilidad y su talento.

El campo musical no es una excepción: antigüamente se permitía a algunas mujeres tocar el laúd, los instrumentos de teclado y en algunos países, incluída Italia, el violín, pero no la viola da gamba, el violonchelo o los instrumentos de viento. En el siglo XVII las cantantes fueron expulsadas de los teatros públicos del Estado Poncificio. En el siglo XIX, un número reducido de mujeres fueron conocidas como virtuosas del piano. En el siglo XX, en diversas partes de Europa y en los Estados Unidos, se formaron orquestas femeninas. Pero en nuestros días sigue habiendo orquestas que se niegan a dar trabajo a mujeres. Muchas instrumentistas afirman que cuando el comité artístico de una orquesta importante o una institución académica tiene que elegir entre un hombre y una mujer prefieren al hombre.

Se ha alentado a las mujeres para que trabajaran como compositoras aficionadas pero, hasta nuestro siglo, rara vez como profesionales. Sólo en las últimas décadas, y desde unas posiciones en la mayoría de los casos feministas, se ha comenzado a prestar interés a la música compuesta por mujeres. Pero lo que empezó como una reivindicación se está convirtiendo en un auténtico campo de estudio que atrae tanto a hombres como a mujeres.

De hecho, dos de los principales acontecimientos musicales de actualidad están muy relacionados con compositoras: la recuperación de la obra de Fanny Mendelssohn (1805-1847) y el setenta cumpleaños de Sofía Gubaidulina (1931) que está dando lugar a numerosos homenajes por parte de orquestas, emisoras de radio y diversas instituciones musicales.

En este espacio me gustaría rendir homenaje a algunas mujeres que, con todos los derechos, han pasado a figurar en los libros oficiales de la historia de la música, (aunque en muchos libros "oficiales" ni si quiera las mencionan) y a todas aquellas que aun con mucho talento, fueron totalmente ensombrecidas y a causa de ello nunca sabremos sus nombres.

Las mujeres compositoras a lo largo de la historia han escrito óperas líricas, zarzuelas, obras para orquesta sinfónica y de cámara, se han expresado como virtuosas de instrumentos y han trabajado como directoras de orquesta superando las numerosísimas dificultades que han encontrado en su camino.

Podeís encontrar más información en: Las mujeres en la música de Patricia Adkins Chiti.

Fanny Cecile Mendelssohn

2009-01-29T07:50:00.014-06:00

Fanny Cecile Mendelssohn (Hamburgo, 1805- Berlín, 1847) fue una músico más allá de toda comparación, destacada pianista y mujer de mente privilegiada.

Hermana mayor del famoso Felix Mendelssohn, ambos recibieron una excelente educación musical, y desde pequeños se perfilaron como prodigios de la música.

Fanny estudió composición con C. F. Zelter, que la introdujo en la música de Johan Sebastian Bach, dando muy pronto muestras de su talento musical. A los once años , como regalo sorpresa para su padre, tocó de memoria y de manera perfecta, los 24 Preludios y Fugas, de Bach. El mismo Felix decía que al piano su hermana era mejor que él.

Pero las posibilidades de Fanny eran sin embargo, limitadas debido a las imposiciones sociales que no permitían la profesionalidad de la mujer en la música. Su propio padre le escribió en 1820: “La música... será siempre un ornamento, y nunca el fundamento de tu existencia...”. Más adelante, en su 23 cumpleaños, él le volvió a escribir con un matiz reprobatorio: “Debes dedicarte más seria y diligentemente a tu auténtica profesión, a la unica profesión de una jovencita, la de ser ama de casa”. A pesar de sus dones musicales y su deseo de ser reconocida, Fanny nunca tuvo permiso para presentarse como pianista. Asfixiada por estas actitudes que limitaron su desarrollo como música y compositora, Fanny vivió a través de las experiecias externas de Félix.

A los veinticuatro años, Fanny se casó con el pintor Wilhelm Hensel, y tuvieron un hijo–Sebastian Ludwig Felix, nombre de los tres compositores favoritos de ella- Bach, Beethoven y su hermano. Sorprendentemente Wilhelm la animó sin reservas a componer y tocar el piano, sabedor de que tal creatividad era la esencia de su ser y viéndolo como un complemento necesario para su propia obra como pintor. Incluso la apremió a que publicara sus composiciones.

Las actividades de Fanny, se centraron en el salón de su casa, que con el tiempo se convirtió en uno de los principales lugares culturales de Berlín. Recibió visitas de artistas como Liszt, Paganini, Clara Schumann, o Bettina von Arnim. Fanny planificaba los programas, la interpretación de la música de cámara y los Lieder, dirigía su propio coro y, ocasionalmente, una orquesta. Introdujo al público berlinés en la música de Beethoven, Bach, Mozart, Weber y, por supuesto, Felix, estrenando muchas de sus obras, así como varias de las suyas propias.

Como actividad de una aficionada, llevada a cabo en su propio hogar, todo ello era bien aceptado socialmente. La publicación bajo su propio nombre ya era algo muy distinto. Por lo que varias de las obras de Fanny fueron publicadas bajo el nombre de su hermano.

Desgraciadamente, a la muerte de su padre, Felix asumió su responsabilidad y se resistió tenazmente a la idea de que Fanny publicase. Pero a pesar se la severidad de su hermano, consiguió publicar cuatro libros de melodías y romanzas para canto y piano encontrando un éxito inmediato. Sus trabajos fueron alabados por personajes como Gounod, Goethe y la reina Victoria.

Resulta trágico que cuando al fin consiguió que se despertase el interés en sus composiciones, y hallándose en la cima de cu capacidad creativa, murió repentinamente como consecuencia de una embolia cerebral, en mayo de 1847. Su prematura muerte, antes de cumplir los 41 años, le arrebató la posibilidad de haber disfrutado en vida del reconocimiento público, que sin duda habría alcanzado, de haber continuado componiendo y publicando. Su hermano Félix, al enterarse de la noticia cayó en un estado de extrema postración y murió seis meses después.

Fanny Hensel compuso más de cuatrocientas obras, la más importante quizá fue el trío para piano violin y violonchelo en re menor, op 11 editado por primera vez en Leipzig en 1850. Compuso romanzas sin palabras , (se cree que este género, el preferido de Felix, fue invención de Fanny) , algunas de ellas se publicaron bajo el nombre de su hermano.

Actualmente su música está incluída dentro de las grandes composiciones en el s xix , se programa de forma regular en Europa del Norte y en los Estados Unidos y la fundación Mendelssohn ha iniciado la recatalogación e impresión de todos sus trabajos que durante ciento cincuenta años han permanecido en el olvido. Pero lamentablemente, algunas de sus composiciones se han perdido o permanecen ocultas en colecciones privadas.

Aquí podeís escuchar el movimiento allegro molto de una de las impresionantes obras de Fanny para Piano a 4 manos.

También os dejo su Trío para piano, violin y violonchelo en re menor op.11. Está dividida en 4 movimientos:

- 1 Allegro molto vivace

- 2 Andante expresivo

- 3 Allegreto

- 4 Finale - allegro moderato.

Vuelve Rosana

2009-01-28T15:26:00.003-06:00

La cantautora española Rosana Arbelo, regresa a la escena musical después de dos años con su nuevo trabajo "A las buenas y a las malas" que verá la luz el próximo 14 de abril.

"A las buenas y a las malas" contiene trece canciones que tendrán un sonido más rockero y unas letras más comprometidas. Además de ser la intérprete y compositora de todas las letras y la música de cada uno de los temas contenidos en el nuevo material, es productora del mismo.

“Llegaremos a tiempo”, que es el primer sencillo de su nuevo disco que será el quinto album de la artista.

Si te arrancan al niño, que llevamos por dentro,
Si te quitan la teta y te cambian de cuento
No te tragues la pena, porque no estamos muertos
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo.
Si te anclaran las alas, en el muelle del viento
Yo te espero un segundo en la orilla del tiempo
Llegarás cuando vayas más allá del intento
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo
Si te abrazan las paredes desabrocha el corazón
No permitas que te anuden la respiración
No te quedes aguardando a que pinte la ocasión
Que la vida son dos trazos y un borrón
Tengo miedo que se rompa la esperanza
Que la libertad se quede sin alas
Tengo miedo que haya un día sin mañana
Tengo miedo de que el miedo, te eche un pulso y pueda más
No te rindas no te sientes a esperar
Si robaran el mapa del país de los sueños
Siempre queda el camino que te late por dentro
Si te caes te levantas, si te arrimas te espero
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo
Mejor lento que parado, desabrocha el corazón
No permitas que te anuden la imaginación
No te quedes aguardando a que pinte la ocasión
Que la vida son dos trazos y un borrón
Tengo miedo que se rompa la esperanza
Que la libertad se quede sin alas
Tengo miedo que haya un día sin mañana
Tengo miedo de que el miedo te eche un pulso y pueda más
No te rindas no te sientes a esperar
Sólo pueden con tigo, si te acabas rindiendo
Si disparan por fuera y te matan por dentro
Llegarás cuando vayas, más allá del intento
Llegaremos a tiempo, llegaremos a tiempo

La ballena azul

2009-01-27T17:45:00.000-06:00

La ballena azul (Balaenoptera musculus) es el mayor animal sobre la Tierra. En algunos ejemplares se han encontrado longitudes de 33 metros y pesos de 190 toneladas. Estos ejemplares de gran tamaño, observados en los años 1930, no han sobrevivido a la caza del hombre. En la actualidad los ejemplares supervivientes alcanzan tamaños más reducidos, de unos 25 metros. Las ballenas azules viven hasta 90 años en buenas condiciones. Sin embargo debido a su caza la media de edad es de 25 años.

Como la gran mayoría de las ballenas ésta subespecie se encuentra al borde de la extinción debido a la actividad de los barcos balleneros.

Como parte de una campaña contra la caza de ballenas, en la página de la WDCS se puede admirar en detalle una Ballena Azul a tamaño natural. Hay que arrastrar el ratón para comprobar de primera mano lo grande que es (el pequeño recuadro rojo arriba a la derecha indica la parte de la ballena que estás viendo en cada momento).

A continuación breve documental sobre este magnífico cetáceo.

Un minuto de reflexión

2009-01-26T18:43:00.004-06:00

Catorce mil niños mueren al día en África, según el informe "El estado de los niños de frica (SOAC, en inglés) en el 2008", elaborado por UNICEF y presentado el sábado 14 de marzo por el ex presidente mozambiqueño Joachim Chissano en Nairobi. El documento destaca que "cinco millones de niños africanos murieron antes de alcanzar los cinco años de edad, lo que supone una media de catorce mil niños al día”. Entre los diez países del mundo con mayor índice de mortalidad infantil, nueve son africanos, Sierra Leona ocupa el primer puesto, seguido de Angola, según el informe. El informe señala que "con sólo el 22 por ciento de los nacimientos mundiales, el África subsahariana registra la mitad de las muertes de niños menores de cinco años de todo el mundo".

"Imagina no tener posesiones, me pregunto si puedes, no hay necesidad para el egoísmo y el hambre, una fraternidad del hombre. Imagina toda la gente compartiendo el mundo" John Lennon (Imagine)

La Quinta Estación y su nuevo trabajo: "Sin frenos"

2009-01-26T07:17:00.004-06:00

La Quinta Estacion, se han ganado un lugar importante dentro de la escena musical de México, España y Latinoamérica.

Después de un camino lleno de éxitos y reconocimientos, “La Quinta Estación” regresa con su nuevo álbum titulado "Sin frenos", que incluye los sencillos "Que te quería", y "Recuerdame".

Esta cuarta producción, que próximamente estará a la venta en Estados Unidos, España, Centro y Sudamérica, contiene 12 canciones escritas por Natalia Jiménez y Angel Reyero, integrantes de la banda, así como una versión a dueto con Marc Anthony.

Arte y lesbianismo

2009-01-10T18:45:00.010-06:00

Quisiera compartir con vosotr@s algunas de las obras más hermosas que representan a una pareja de mujeres.

Paz y Justicia del pintor Pompeo Batoni

Paz trayendo la abundancia de la pintora Elizabeth Vigee Le Brun

Y algunas más...

Si teneís alguna imagen que queraís añadir por favor indicádmelo. Espero que os guste.