La Música en el Barroco (I)

Introducción
El Barroco es una de las épocas más importantes de la música occidental que abarca desde el siglo XVII  (aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
El ser humano del Barrco vive una época de crisis, tanto económica como espiritual. Esto tiene un reflejo en todas las artes y hace q se produzcan obras críticas como Don Quijote de Cervantes. En la música se manifiesta dándole un sentido dramático  y muy expresivo. (El término barroco se tomó de la arquitectura  donde designaba algo «retorcido», una construcción pesada, elaborada, envuelta)
Principales técnicas de composición del canto barroco
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas heredadas del Renacimiento y se producen avances:
1) Se intensifica la fuerza emocional de las palabras, creando tres maneras de cantar el texo: recitativo o canto declamado (es como declamar una poesía semicantándola), arioso (forma de cantar más adornada que el recitativo) y aria (en él la melodía se decora con profusión)
2) Se logra un invento transcendental: la Monodia acompañada que consiste en una melodía sostenida por el bajo continuo( base armónica que se obtenía utilizando un órgano, un clavicémbalo, una viola de gamba, un violonchelo o incluso un laud o una guitarra)
3) Nace el Policolarismo: música creada para varios coros distintos que cantan al mismo tiempo. 

Formas vocales
La música religiosa sigue teniendo una gran importancia durante el Barroco, así surgen nuevas formas musicales:
Oratorio: forma vocal religiosa, de carácter narrativo sin representación escénica. En ella dialogan coros, cantantes solistas y orquesta sobre argumentos tomados casi siempre de la sagrada escritura. El primer gran autor de oratorios es Giacomo Carissimi ( 1605- 1674) que con su obra Jepthe convierte al coro en el gran protagonista, dándole una gran fuerza dramática. Con "El Mesías" de Händel este género alcanzó su máxima cumbre.

Cantata: forma vocal a una o varias voces ( con o sin solista, con o sin coro) con acompañamiento instrumental. Excluye por completo el elemento dramático (no narra), pero se caracteriza por ser muy lírica (evoca). El coro es menos importante que en el Oratorio.
La Cantata tiene origen profano, pero es aceptada por la Iglesia. Entre los cultivadores de esta forma destacan Alessandro Scarlatti Pergolesi y Bach quien cultivó más de 300 cantatas tanto religiosas como profanas, de las que sólo quedan cerca de 200.



Ópera género de música teatral en el que una acción escénica es, armonizada cantada y tiene  acompañamiento instrumental, Precisa de escenario, orquesta, coro  y solistas. Nació en Florencia a finales del siglo XVI y se convirtió en el sistema mas perfecto para llevar a cabo la dramatización barroca. Claudio Monteverdi consolidó definitivamente el género con obras de la categroría de Orfeo (considerada la primera ópera de la historia - clic aquí para ver un fragmento), Ariana... 

Una ópera consta de:
1) Obertura: parte instrumental que la precede.
2) Partes cantadas
3) Interludios: partes instrumentales que se intercalan en la obra. 
Los dos tipos más importantes de ópera barroca son:
- Opera seria: de carácter aristocrático, con temas mitológicos
- Ópera bufa: de carácter popular. Los protagonistas no son dioses sino personas de la clase media que critican a la aristocracia. Destaca la Serva padrona (ver aquí) de Pergolesi.

En Francia, el nuevo arte se vio impulsado por los trabajos de J.B. Lully. En Inglaterra H. Purcell escribió una de las piezas más brillantes del género Dido y Eneas que se representó por primera vez un colegio para señoritas de familias acomodadas.
Inmediatamente cada nación acomoda el género a sus gustos y así surgen: la ópera comique francesa, el singspiel alemán, la ópera balada inglesa o la zarzuela española.
Zarzuela: obra de teatro en la que se alternan las escenas habladas con las cantadas. La música se aplica sobretodo a las partes más líricas. Se caracteriza por su colorido, casticismo y espontaneidad.

Las primeras primadonnas y su música 

Dada la importancia que adquiere la ópera, comienzan a florecer las escuelas de canto donde se instruyen muchas cantantes procedentes tanto de familias humildes como de familias de comerciantes y artesanos. Ya no se podría prescindir de la participación de la mujer en la música aunque durante un largo tiempo se intentó sustiyendo la voz femenina por la de los "castrati" sin embargo, ésta aberración fue cayendo por su propio peso. En tiempos de Shakespeare aun los hombres hacian los papeles femeninos y no va a ser hasta mucho tiempo después que la mujer comienza a intervenir en las representaciones teatrales con o sin música. Uno de los los mayores astros del barroco femenino  fue Francesca Cuzzoni quien, al igual que el resto de cantantes femeninas tuvo que soportar durante toda su carrera el absoluto reinado de los castrati, siendo a pesar de ello una de las primeras mujeres que lograron hacerse una fama y renombre enormes.
Francesca Cuzzoni Sandoni (1700 - 1770 ) conocida como la "Parmesana". Su voz pasó a la historia como una de las más bellas del siglo xviii, definida como Voce d'angelo ('voz de ángel') por su resonancia, homogeneidad, su vibrato dulce y penetrante y su facultad de modular y disminuir las notas con prodigioso efecto. Su fraseo era muy suave en los momentos lánguidos, elegíacos y patéticos. Fue probablemente la primera soprano italiana en poseer las características de soprano aguda. Con una entonación perfecta y una sorprendente igualdad de registro, Cuzzoni era además enormemente admirada por el gusto y la delicadeza con que sabia adornar las melodías como por su trino. De esta manera consiguió tanta fama que llegó incluso a provocar escenas de auténtico fanatismo en el público inglés cuando la oian cantar.
Entre 1740-1742 viajó por los estados alemanes en compañías errantes o como solista en conciertos y se dedicó a malgastar su enorme fortuna en una vida disipada y llena de lujos. Sus deudas le hicieron acabar en prision varias veces aunque consiguió salir siempre gracias a la ayuda de varios protectores. Murió en la más absoluta miseria en Bolonia en 1772.
Cantantes y compositoras
Muchas cantantes no sólo trabajaban sobre arias escritas para ellas, sino que también eran capaces de escribir arias que se podían incluir en las óperas. Era normal que las cantoras  supiesen tocar el clavicémbalo, la guitarra o el laúd, y sus conocimientos musicales debían ser notables si tenemos en cuenta que ya desde finales del siglo XVII aparecen como autoras de óperas líricas.  
En Europa el movimiento de la Contrarreforma Católica hizo que muchos monasterios se convirtieron en colegios donde el canto y la música formaba parte de la educación de las jóvenes.
Destacaron:

Lucrecia Orsina Viziani, Orssini Vezzana o Vinazi Orsina  (1590 – 1662) ingresó en el convento Camaldolese en Bolonia a la edad de ocho años y permanecio allí toda su vida, Fue cantora, organista y compositora. En 1623 publicó en Venecia sus trabajos Componimenti musicali de motetti concertati a 1 e più voci. También escribió libros de contrapunto y armonía. Sus obras están influidas por las tendencias musicales más modernas de la música italiana de la época, especialmente por Claudio Monteverdi.

Leonora Baroni (1611 – 1671) nació en la corte de la familia Gonzaga en Mantua. Fue cantante, intérprete de laúd y violín y compositora. Dotada de una hermosa voz pronto se hizo famosa como virtuosa del canto. Hablaba varias lenguas y escribió poesía y música. Cantó junto con su madre y su hermana en la corte y por toda Italia, Baroni fue honrada por nobles y poetas como Fulvio Testi y Francesco Bracciolini quienes le dedicaron poemas.

Isabella Leonarda (1620 – 1704) Nacida en Novara, a los 16 años ingresó como religiosa en el convento de Santa Úrsula, y  dedicó a la composición. Fue conocida como "la musa de Novara" Publicó más de 200 trabajos en unos veinte volúmenes, en especial motetes para solista; aunque también escribió misas y sonatas. En alguno de sus escritos la compositora cita a Platón: "Musicam docet Amor: el Amor de lo que es bueno y honesto templa y vigoriza las emociones, que son como las cuerdas de la lira del corazón, y brinda al hombre armonía consigo mismo y con los demás...".
(debajo interpretación  a cargo del conjunto "El concierto Ylustrado" de la Sonata Duodécima  de Isabella Leonarda)

  
Barbara Strozzi: (1619-1677) nacida en Venecia, compositora y cantante. La gran mayoría de sus trabajos son obras para soprano solista y bajo continuo, por lo que es posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella misma. Su música está profundamente arraigada en la técnica denominada "segunda práctica", cuyo principal ejemplo es la obra de Claudio Monteverdi. Strozzi escribió arias, cantatas dramáticas, madrigales y duetos. Publicó ocho volúmenes de obras, incluyendo más cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII.   





Elizabeth Claude Jacquet de la Guerre (1667 - 1729)
Hija de Claude Jacquet, una organista de la iglesia Ile-Saint Louis de París. Tiene tres hermanos, todos músicos. Elisabeth comenzó la interpretación de instrumentos de tecla a edad muy temprana. A la edad de seis años fue presentada como niña prodigio a Luis XIV, Madame de Montespan, amante del rey, quedó vivamente impresionada por lo que la invitó a vivir en Versalles y se encargó de su educación.  
n 1684 se casó con Marin de la Guerre, un organista, y se mudó a París, donde siguió actuando en conciertos y lecciones p rticulares y donde todos los grandes músicos de la ciudad llegaban a oírla tocar el clave. Al año siguiente consiguió que se ejecutara su primera obra, un ballet con fragmentos cantados. La composición tuvo éxito y Elisabeth escribió una primera serie de fragmentos para clavicémbalo. Ese mismo año dio a luz a un hijo, que desgraciadamente murió a los diez años.
Fue la primera compositora francesa que escribió óperas., "Jeux à l'honeur de la victoire" , "Céphale et Procris" En 1694 la Real Academia de Música ofreció la primera ejecución de su ópera Céphale et Procris, cuyo éxito fue inmediato y duradero. Posteriormente escribió su Trío sonate y una serie de arias. En 1707 publicó sus Piecés de clavecín y las Sonates pour la violon et pour le clavecin y en 1708 el primer libro de cantatas, únicos en Francia porque tiene como temas historias de la Biblia y particularmente historias de mujeres como Susana, Esther y Judith. 
(debajo podemos escuchar su sonata nº1 en re menor para violín y continuo)





Antonia Padoani Bembo (1640 - 1720) Nace en Venecia y destaca como cantante y compositora. Se sabe poco sobre su educación. Entre 1690 y 1695 fue presentada al rey Luis XIV, quien le ofreció una pequeña pensión y alojamiento en la comunidad femenina Petite Union Chrétienne des Dames de Saint Chaumont (Pequeña Unión Cristiana de Damas de Saint Chaumont), en la parroquia de Notre Dame de Bonne Nouvelle, en las afueras de París.
Antonia Bembo compuso en su mayoría obras de géneros vocálicos:
Un divertimento a cinco voces
Dos te deum
Musicalización de salmos con textos en latín y francés
Una ópera, L´Ercole (1707)Una cantata, Clizia, amante del Sole para soprano y bajo continuo.

De sus obras se conservan seis volúmenes en la Bibliothèque Nationale de París.
 

Emergencia en Haiti



El tamaño de la catástrofe provocada por el terremoto de magnitud siete que ha azotado Haití aumenta a medida que transcurren los días: ya se habla de más de 100.000 fallecidos. (en la imagen vista de una zona de Puerto Príncipe tras el seísmo)


La ciudad más afectada es la capital, Puerto Príncipe, donde centenares de edificios se han derrumbado con miles de personas en su interior.


Si los edificios oficiales han sufrido destrozos, las viviendas, que son "muy precarias", pueden estar pero que "muy afectadas" señala la investigadora Amelie Gauthier quien teme especialmente por las chabolas que se hacinan en las laderas abruptas de Puerto Príncipe, que pueden haberse desmoronado con el terremoto.


Las comunicaciones están casi cortadas y el acceso por carretera a través de las fronteras con República Dominicana es difícil. Mientras, miles de heridos deambulan sin saber a dónde ir a la espera de atención médica.


Continuo riesgo de enfermedades

Antes del terremoto, Haití ya enfrentaba una de las tasas más altas de mortalidad en occidente debido a infecciones y enfermedades como tuberculosis, VIH y diarrea.
Ahora, las agencias de ayuda advierten del enorme desafío  que enfrentan para poder tratar las heridas y controlar las enfermedades que surgen.

Entre las prioridades sanitarias establecidas por la OMS, se encuentren: la búsqueda y rescate de los supervivientes atrapados entre los escombros, el tratamiento de las personas con heridas traumáticas graves, la prevención de infecciones por heridas, el abastecimiento de agua potable y el apoyo al mantenimiento de la lactancia materna.


Hasta ahora, sin embargo, los informes hablan de la falta de recursos y personal médico para tratar a los miles de enfermos y heridos.
La Cruz Roja ha advertido que "las necesidades médicas son enormes" y las condiciones "terribles"
Más información

Los niños haitianos abandonados a su suerte
Cientos de menores vagan por las calles o en los hospitales de la capital haitiana sin agua, sin nada que comer y sin protección contra la violencia y los abusos.
Los datos de Unicef indican que la mitad de la población de Haití es menor de 18 años y miles de niños se han quedado huérfanos tras la tragedia y abandonados a su suerte. Así mismo señala que en situaciones de conflicto o catástrofes aumenta el riesgo de tráfico de menores.
Más información aquí


El mayor seísmo de la historia en la zona
En 2008 Haití fue barrido por cuatro huracanes. Hasta ahora, el más intenso, de magnitud 6,7, tuvo lugar en junio de 1984. Sin embargo, este último seísmo: con una magnitud de 7.0 en la escala de Richter ha sido el más fuerte registrado nunca en la región.


Algunos de los principales datos del país:


SITUACIÓN: Con una extensión de 27.750 km2, comparte la isla La Española con República Dominicana. El país está a menos de 80 km de Cuba y a unos 1.000 km deMiami (EE.UU).
POBLACIÓN: Más de 8,5 millones de habitantes, de los cuales un 95% son de raza negra, descendientes de esclavos africanos. El 5% restantes son mulatos o blancos. La esperanza de vida es de 52 años. Sólo el 45% de la población está alfabetizada.
CIUDADES: La capital es Puerto Príncipe, con 2,3 millones de habitantes. Las otras grandes ciudades son Cap Haitien (norte), Gonaives (noroeste), Cayes (sur) y Jacmel (sureste).
ECONOMÍA: El 54% de la población vive en la pobreza extrema (con menos de un dólar al día) y hasta el 78% bajo lo que se considera umbral de la pobreza (con menos de dos dólares al día).
RECURSOS: Agricultura (caña de azúcar, banana, café, mango). Pesca. Ganadería. Industria del ensamblado de componentes electrónicos y textil.
HISTORIA: Fue colonia española hasta 1697 y después francesa. La población local fue esclavizada para trabajar en las plantaciones y en las minas. Se produjeron varios intentos de rebelión seguidos de represiones brutales. Finalmente en 1804 se convirtió en el primer país que abolió la esclavitud.  
Más información: rtve.es


Más noticias:


Colabora, junt@s podemos salvar vidas

Feliz Navidad

La Navidad  es paz, amor, nostalgia, ilusión y esperanza.
La Navidad es ternura, generosidad, perdón y reconciliación.
La Navidad es solidaridad, es una motivación para ayudar a personas necesitadas de cariño, de afecto, de luchar por vivir.
La Navidad es tiempo para tratar de ser mejores.

A tí que que estás leyendo estas líneas: Feliz Navidad.

  




Honraré la Navidad en mi corazón y procuraré conservarla durante todo el año
(Charles Dickens)

Rosa Bonheur



Marie-Rosalie Bonheur, conocida como Rosa Bonheur (1822-1899),  fue una importante pintora y escultora francesa de tendencia realista. Reconocida entre los mejores pintores de animales de la historia. Nació en Burdeos, su madre, Sophie, era profesora de música pero falleció cuando Rosa tenía tan sólo once años. Su padre, Raymond Bonheur, era pintor y la enseñó y ayudó desde niña. Raymond, cuestionaba los convencionalismos y creía en la emancipación de la mujer. Estimuló la creatividad de sus hij@s (dos niños y dos niñas) y l@s cuatro se convirtieron en artistas de gran talento.

Rosa pasó varios años en el campo y enseguida mostró su preferencia por la pintura de animales, que se convirtió en su especialidad y le dieron prestigio. (en la imagen Rosa Bonheur retratada por el artista Dubufe)

En 1837 conoció a Nathalie Micas, quien se convirtió en pintora como ella, y con la que mantuvo una relación amorosa.

A partir de 1843 comenzó a exponer sus obras y obtuvo diversos premios y reconocimientos. Su obra "La Labranza en Nirvernais"  fue adquirida por el gobierno francés para la colección del Museo de Luxemburgo de París. En 1848 obtuvo la medalla de oro en el Salon Oficial, la muestra de arte más importante de Francia y en 1855 presentó el que sería su gran lanzamiento: la monumental "Feria de Caballos" obra en la que colaboró su amiga y compañera Nathalie Micas. Esta obra le dio reconocimiento internacional y le permitió realizar viajes, en los que conoció diversas personalidades como la reina Victoria. (debajo una de las obras más conocidas de Rosa Bonheur:  " El Destete de los Terneros").



Dirigió la escuela de arte de su padre cuando este murió en 1849. En su época no estaba permitido a las mujeres vestirse con ropa masculina y Rosa consiguió un permiso gubernamental para ir vestida de hombre, (o más concretamente llevar pantalones) y poder así hacer estudios de animales en las ferias y mercados de ganado. Respecto a esto Rosa escribió: "Me di cuenta que la ropa femenina era una constante molestia. Por eso decidí solicitar la autorización para vestir ropa de hombre (...) Pero el traje que llevo es mi traje de trabajo, no significa nada más. Lo que digan los imbéciles no me ha preocupado nunca".



En 1859 se instaló junto con su compañera Nathalie Micas, en el Chateau de By, ladera vitícola del municipio de Thomery donde dispuso su taller y arregló espacios para sus animales.

En 1865 se convirtió en la primera mujer en haber sido condecorada con la orden de la Legión de Honor, recibió esta distinción de las manos de la propia Emperatriz Eugenia (de Montijo) y en 1894 se convirtió en Oficial de la Legión de Honor, máxima distinción que otorga en estado francés.



Vida sentimental

A los 14 años había conocido a Nathalie Micas, una joven enfermiza pero con talento que también se dedicó a la pintura. Ambas mantuvieron una relación amorosa que duraría hasta la muerte de Micas en 1889.
Rosa quedó desolada cuando Micas falleció pero meses después conoció a Anna Elizabeth Klumpke (1856-1942) también pintora, especialmente conocida por sus retratos.


Anna Elizabeth quería realizar el retrato de Rosa a quien admiraba desde niña. Así se presentó a la pintora en su estudio del Chateau de By, en Fointainebleau. (en la imagen retrato de Rosa Bonheur realizado por Anna Elizabeth). Al poco tiempo se trasladó a vivir allí y durante los diez años siguientes, hasta la muerte de Rosa Bonheur en 1899, las dos pintoras convivieron juntas. En su testamento Bonheur la nombró heredera universal. Kumpke supervisó todas las obras de Rosa en 1900. Fundó el Premio Rosa Bonheur, en la Societé des Artistes Français y creó el Museo de Rosa Bonheur, en el Chateau de By, en Fointeinebleau.

En 1908 Anna Elizabeth publicó una biografía de Rosa Bonheur, basada en su propio diario, en las cartas de Bonheur, dibujos y otros escritos. Se publicó en inglés en 1998.
Las tres mujeres fueron enterradas juntas bajo la inscripción "la amistad es un afecto divino".

Rosa cuestionó las opciones personales y profesionales que tenían las mujeres en el s xix y ayudó a comenzar a poner fin a las ideas profundamente arraigadas en su tiempo. Se identicaba a sí misma como perteneciente al "tercer sexo".

Fuentes: Mujeres en el Arte, Wikipedia

Debajo, muestro algunas de sus impresionantes obras. Estoy convenciada de que quienes amen la Naturaleza quedarán cautivado/as con ellas.






Para ver algunas de sus esculturas clic aquí

Antonio Vivaldi




Antonio Vivaldi nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia. Estudió música con su padre, Guiovanni Battista Vivaldi, barbero de profesión a la vez que brillante violinista. Antonio fue primógénito de nueve herman@s y, como era casi preceptivo en aquella época, fue destinado a ingresar en las órdenes religiosas. Se ordenó sacerdote en 1703 aunque hubo de abandonar los hábitos poco después por una grave afección asmática.

En la misma fecha ingresó como profesor de violín y comenzó a enseñar en el Ospedale della Pietà, un conservatorio para jóvenes huérfanas.


Vivaldi no tardó en ganarse una sólida reputación como violinista. Su cabellera roja y su modo de tocar el violín, con fogosidad y alarde de virtuosismo seducían a los conocedores y mecenas venecianos y extranjeros.


Trece años después fue nombrado maestro de conciertos y director de coros.
A comienzos de la década de 1710 era ya famoso como compositor en Vencia y en las principales plazas musicales europeas. En 1713 estrenó su primera ópera, Ottone in villa en Vicenza. Desde este año, además de sus labores al frente del conservatorio de la Pietà, se dedicó a desarrollar una carrera como compositor y empresario de óperas. En 1716 estrenó su primer gran oratorio dramático: Juditha trimphans, único de los tres que compuso que ha sobrevivido.


En 1726 conoció a la soprano Anna Giraud o Girò, quien interpretaba un papel en una de sus óperas, Farnace, quien le acompañó en sus numerosos viajes por Europa y con quien entabló una relación de amistad y colaboración musical que duraría hasta el final de la vida del músico.


Entre 1725 y 1728 estrenó ocho óperas en Venecia y Florencia. En 1725 publicó en Amsterdam Il cimento dell'armonia e dell'invenzione, monumental recopilación de 12 conciertos, en el que se incluyen Las cuatro estaciones. En Praga, ciudad que albergaba una de las cortes más melómanas de la época, Vivaldi disponía de su propia compañía estable de ópera.


Su fama ya era internacional. En 1740, después de renunciar a su cargo en el Ospedale, emprendió viaje a Viena, posiblemente debido a la grave crisis económica que atravesaba Venecia. En realidad, Vivaldi ya había hecho varios intentos , todos fallidos, para conseguir una plaza estable y bien remunerada en una de las grandes capitales musicales europeas, que le permitiera abandonar la vida agitada y el agotador ritmo de empresario musical.


En Viena murió en circunstancias inciertas al año siguiente, el 26 o 27 de julio. Al fallecer, su hacienda era tan poca que hubo de ser enterrado en el llamado "cementerio de los pobres" de la ciudad.

Antonio Vivaldi fue olvidado inmediatamente por sus tornadizos contemporáneos y hubo que esperar a lo que se ha llamado Vivaldi renaissance, hacia la década de 1950 (casi dos siglos), para que la obra de este gran creador emergiera con fuerza. Este resurgir se debió principalmente al gran interés despertado en los estudiosos por el legado de Johan Sebastian Bach. Este grandísimo compositor estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de sus conciertos para violín y sonatas sólo existen las transcripciones, en su mayor parte para clavecín.

El Ospedale della Pietà

El Hospital de la Piedad acogía oficalmente a huérfanas. En realidad el Ospedale era a la vez orfanato y conservatorio de música, uno de los más afamados de la ciudad. La reputación del Ospedale era tal que salir de allí con un título de graduación equivalía para estas chicas a la obtención de una dote, lo que les permitía conseguier un marido o ingresar en la vida conventual. Un dato revelador de la fama que tuvo Vivaldi como músico y pedagogo es que durante su mandato como maestro de música de este orfanato, desde 1703, las familias aristocráticas de la ciudad adquieron la costumbre de enviar allí a sus hijas legítimas.

El oratorio de la Pietà, donde Vivaldi impartía sus lecciones y organizaba los conciertos de sus pupilas, era un espacio más bien reducido. Cuando Vivaldi comenzó a dar clases, el edificio ya amenazaba ruina, y en 1730 se inició un largo proceso que concluiría terinta años depués con la creación de la nueva iglesia, diseñada por Masssari.
Los espectáculos musicales eran extraordinariamente populares y atraían a todas las clases sociales.

El trabajo de Vivaldi en el Ospedale consistía en impartir clases de interpretación musical a las pupilas,, componer dos conciertos mensuales para la orquesta de la iglesia y organizar los conciertos abiertos al público, que se programaban los sábados, domingos y festivos. El número de alumnas y la variedad de instrumentos contemplados en el plan de estudios explican por sí solos la riqueaza instrumental de la obra vivaldiana. El músico escribió incluso para instrumentos como la mandolina y el laúd o la viola d'amore, que habían dejado de formar parte del repertorio tradicional en el siglo xviii. Debida enteramente al genio musical de Vivaldi, en cambio, la innovación armónica que exhiben las piezas instruentales también refleja el alto nivel de las intérpretes para las que fueron escritas.


Anna Giraud
Una de las estudiantes de Vivaldi, Anna Giraud, fue una cantante de la que sse decía que tenía gusto y sensibilidad musical pero que no destacaba al parecer por su virtuosismo vocal. Sin embargo, Anna fue, sin duda, la intérprete favorita del compositor.


Puede que Ana fuese especialmente hábil en reflejar con su voz las intenciones y personalidad de Vivaldi. Y seguramente, por eso decidió convertirla en su protegida y viajar con ella por toda Europa. Lo cierto es que Anna permaneció con el músico hasta su muerte.


Obra
Vivaldi desmpeó un papel crucial en la exploración de un nuevo estilo musical en el que los instrumentos fueron definitivamente liberados de su dependencia con respecto a la música vocal. Su innovador uso de escalas rápidas, arpegios, etc., contribuyeron de forma decisiva al desarrollo de la técnica del violin. Es considerado uno de los precurosores de la música programática.

Escribió más de 500 conciertos, 70 sonatas, 45 óperas y música religiosa. Las únicas obras que se imprimeron durante su vida fueron 40 sonatas y un centeanar de conciertos.


Las cuatro estaciones
En estos conciertos descriptivos se van relatando sensaciones, paisajes, colores y personajes, los cuales constituyen la trama estructural de la narración musical. El compositor pone de manifiesto su gran fantasía y espectacular ímpetu creativo, utilizando un apasionado lenguaje instrumental, con ritmos vigorosos y fuertes contrastes. Lo más sorprendente de estos conciertos es que han logrado superar los límites de la llamada música clásica y han conquistado la sensibilidad de todo tipo de público.

Aquí podeís ver y escuchar a la violinista Julia Fischer interpretando el concierto: El Invierno.




Sí quereís escuchar "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi interpretados por esta violinista, aquí os los dejo los links.
(excepcional también la interpretación de la Orquesta de Mujeres de la Filarmónica de Viena: clic aquí )

Debajo podeís escuchar la versión-interpretación de Vanessa Mae del  tercer movimiento del concierto El Verano, que es uno de mis conciertos favoritos de este genial compositor.( Se divivde en tres tiempos_ i Allegro non molto - ii Adagio y iii Tempo impetuoso d'Estate) he seleccionado el Tempo impetuoso d' Estate intentaré subir los otros dos. A mí me sorprendió muchísimo la primera vez que lo escuché... espero que vosotr@s también os guste.








Hasta siempre Mercedes Sosa




La intérprete y compositora argentina nos ha abandonado hoy domingo en una clínica de Buenos Aires, a los 74 años, víctima de una enfermedad hepática.

Mercedes se distinguió por su magnífica voz, de timbre oscuro y cálido, con registros de soprano y por  sus canciones, con letras de Victor Jara, Violeta Parra, o Pablo Neruda y música basada en en combinación de ritmos de chacareras,zambas, guajiras, milongas y tonadas. Con su labor artística popularizaró, en los años 70 y 80, el folklore latinoamericano en todo el mundo y se convirtió en una de las mejores y más famosas intérpretes del continente.

Mercedes Sosa, conocida cariñosamente como la Negra Sosa nació en Tucumán, Argentina, el 9 de julio de 1935. En 1961  grabó su primer disco y en 1966  editó su primer éxito, Zamba para no morir. Al año siguiente realizó su primera gira por Europa. Por entonces comenzó a cantar con Violeta Parra. Su canción Gracias a la Vida  se convirtió en un enorme éxito. En 1972 grabó la Cantata suramericana.

Visitó España, Francia, Italia, México, Venezuela y Perú y en 1975 viajó a Japón. En 1978 las autoridades argentinas le prohibieron cantar en público por lo que decidió instalarse en París y después en Madrid. En 1979 grabó un disco en portugués y tres años más tarde regresó a Argentina donde recibió una calurosa acogida por parte del público. En julio de 1984 volvió a realizar nuevas giras. Entre sus canciones de mayor éxito destacan Gracias a la vida, Vover a los diecisiete, Canción de todos, Alfonsina y el mar Como la cigarra o Como un pájaro libre.

Durante 1995 recibió diversos   premios y distinciones  en reconocimiento de su trayectoria artística,  su compromiso social, y su constante lucha por los Derechos Humanos. Entre algunos de ellos recibió el Premio de la Música de la UNESCO y el Premio de la UNIFEM que la distinguió por su labor en defensa de los derechos de la mujer.

En los últimos tiempos cansada y enferma, aseguraba encontrarse feliz, rodeada de afecto. "Tengo suerte", decía " ... pero me ha costado mucho" La Negra Sosa luchó hasta el final por renovar la canción argentina popular para conseguir que "se integre  en la vida de todo el pueblo, expresando sus sueños, sus alegrías, sus luchas y sus esperanzas".

Abajo comparto la inolvidable interpretación de Mercedes Sosa de Alfonsina y el Mar, una zamba compuesta por  los argentinos Ariel Ramirez y Félix Luna y se publicó por primera vez  en el disco Mujeres Argentinas (1969) de Mercedes Sosa.  Es una preciosa y emotiva despedida a la gran poetisa Alfonsina Storni;  para mí, una de esas canciones que perdurarán  para siempre,  por la letra, la música y la impresionante voz de Mercedes Sosa.



Aquí comparto tres canciones más: Honrar la vida, Duerme Negrito, y Aquellas pequeñas cosas.



Fuentes: El Pais.com, Wikipedia

Comentarios

La violinista Chantal Labi-Dilombwa



Chantal Labi-Dilombwa trabaja vendiendo pan, pero cuando termina su jornada laboral, resurge como el ave Fénix y hace lo que de verdad llena su corazón: tocar el violín en la única orquesta sinfónica que existe en el centro de África: La orquesta sinfónica del Congo (o de Kinshasa). Sus compañer@s de aventura posen también una identidad secreta. Josephine Msimba (debajo),   trabaja en el mercado de Kinshasa vendiendo huevos, y toca el violonchelo;





Papy el farmacéutico, toca la tuba;  Laddy, antenista, es el oboe; Nathalie Bahati, (abajo) decora coches de boda y dedica sus tardes a la flauta travesera... Todos son amateurs. Cargan con sus instrumentos hasta el barrio más pobre de la ciudad y ensayan, aprendiendo gracias a las clases de solfeo de Papá Armand o mirando en internet cómo tocan sus instrumentos los músicos que sí poseen formación.






No tienen dinero, ni esponsors, ni caché. Si se rompe una cuerda de su violonchelo Josephine la sustituye por el hilo de nailon de una chaña de pescar. Un cable hace un Mi, dos un La, tres un Re y cuatro un Sol. Mientras  no paran de ensayar y de soñar.



Debajo dejo el único video que encontré en el que nos muestran algunos de los integrantes de la Orquesta Sinfónica de Kinshasa:  primero aparece Albert Matubenza que construye instrumentos musicales, en sus brazos lleva un contrabajo (el decimo q ha diseñado) Después la chelista Josephine Matubenza no dice que primero primero rezan y después cantan. En el minuto 1:29 podemos escuchar el comienzo de la famosa obra Carmina Burana de Carl Off en sus voces e instrumentos...



Armand Diangienda, es el director de la orquesta y nos dice que en el 93 finalizó sus estudios como piloto de avión, pero como no encontraba trabajo decidió fundar la orquesta.

Seguidamente podemos ver a  la violinista Chantal, a la trombón y el trompa. En el minuto 2:25 Mireille Ikina, la soprano, nos dice " en cuanto comienzo a cantar olvido mis problemas" "cuando estoy debilitada y escucho la música ella me da fuerzas". El tenor Moise Niandu  dice "si la musica no pordría vivir porque es mi pasión. Y sin la peluquería no podría vivir porque es lo que me da un sueldo".





fuentes (reportaje de Silvia Fernandez en Mujer hoy , e imagenes de Le figaro)

Clara Schumann





Clara Josephine Wieck nació en Leipzig,el 13 de septiembre de 1819, fue compositora  y pianista desde los ocho años: sus dotes de interpretación alcanzaron el virtuosismo. Su talento fue reconocido en toda Europa antes de su matrimonio y fue considerada una de las mejores pianistas de la época, tan genial como Franz Lizt.

Clara fue admirada también por diversas personalidades destacadas: como  Mendelssohn, Goethe, Brahms, Chopin, Paganini o el mismo Lizt.  Desde 1872 hasta 1892 fue profesora en el Conservatorio de Frankfurt.

A partir de los cinco años estudió, al igual que su hermana Maria, piano y composición con su padre, Friedrich Wieck, un reconocido pedagogo  y pianista. En 1830 la pequeña Clara, de once años, escribió su primer lied, en 1827 habia tocado por primera vez con una orquesta. A los nueve años, hizo su debut como virtuosa del piano, tocando variaciones sobre un tema de Rossini. En pocos años Clara se había convertido en la pianista más famosa de su época.
Robert Schumann (1810-1856), uno de los numen del romanticismo, soñaba desde pequeño en convertirse en un gran pianista. Después de estudiar composición inició un curso de estudio con Friedrich Wieck. De esta manera Schumann conoció a Clara, quien para entonces ya era concertista profesioal, y pronto nacería el amor entre ellos. Pero el enamoramiento de Clara enfureció a su padre, seguramente por los hábitos de Robert: de carácter marcadamente depresivo, sin medios para mantener una familia y por sus fracasos en las relaciones con otras mujeres. Friedrich envió a Clara a Dresde y le prohibió cualquier tipo de comunicación con Schumann. Aunque los enamorados encontraron la manera de cartearse.

Finalmente en 1840, después de tres años de noviazgo y tras superar la oposición del padre por medio de los tribunales, se casaron y en los años siguientes Robert se dedicó a la composición sinfónica. Clara, a pesar de su talento musical, decidió dedicarse a Robert y a sus hijos (tuvieron hasta ocho).

Pero a pesar de los éxitos de Robert y la dedicación de Clara, los jóvenes esposos tenían graves problemas financieros y en 1844 aceptaron hacer una gira en Rusia, esperando resolver así su difícil situación. Tuvieron mucho éxito pero pocos ingresos. La salud de Robert, siempre delicada, comenzó a deteriorarse, sufrió varias crisis depresivas y el médico les recomendó que cambiasen de aire y la familia se trasladó a Dresde. Allí, Robert compuso varias obras y posteriormente Clara intentó promocionar la obra de Robert en una gira por Viena, sin conseguir éxito. Las composicíones de Schumann ya no despertaban excesivo entusiasmo y el compositor comenzó a decaer alarmantemente: sufría alucinaciones y desvaríos. Clara sufría profundamente viendo padecer a su esposo y sintiendose impotente para ayudarle.

En 1854 Robert, desesperado y con la mente confusa, se arrojó al Rhin, donde fue salvado por unos pescadores. Clara que se encontraba en el sexto mes de un nuevo embarazo tuvo que internarlo en un sanatorio para enfermos mentales y  continuó de gira ofreciendo conciertos por toda Europa en teatros y asociaciones para mantener a su marido y sus hijos. En
1872, para poder estar más cerca de su familia, aceptó un puesto como profesora en el Conservatorio de Frankfurt donde dio clases hasta 1892. Durante estos años se dedicó a la publicación de las obras pianísticas y el epistolario de su Robert.

Clara tuvo una gran fortaleza espiritual que le permitió soportar una vida dura como artista y llena de tragedias en el ámbito personal, como la separación de sus padres, la muerte prematura de cuatro de sus hijos y las crisis nerviosas, el intento de suicidio y la posterior muerte de su esposo. Pero también tenía algunas inseguridades: dudaba de su belleza, de su talento como pianista y como compositora, en su diario llegó a escribir:  "Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?" Estas inseguridades (provocadas por el papel de la mujer en el s xix),  unidas su carrera de concertista, sus ocho hijos y la devoción por su esposo  fueron algunas de las razones por las que no se dedicó en mayor grado a componer.

Clara , a través de sus conciertos, ayudó a promover la música de  Robert y de diversos músicos, como la de su amigo Johanes Brahms.  Su amistad con Brahms, iniciada durante el período de su matrimonio con Schumann, duró cuarenta años y la confortó mucho en sus tribulaciones. Johannes Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita"


Antes de su matrimonio, Clara había escrito varias obras: cuatro polonesas para piano, caprichos en forma de vals y varias romanzas, otras obras para piano, además de lieder, preludios, fugas variaciones del concierto para piano sobre una cavatina del pirata de Bellini , un precioso trío para viólín, violonchelo y piano (op.17), y una obra impresionante: un concierto para piano y orquesta en la menor(op7) , ( la comenzó a componer con 14 años y la finalizó en 1835  ¡tenía sólo 16 años!) . Sin embargo, no hay ninguna composición de los años de su matrimonio. Clara sacrificó su genio como compositora durante los años que vivieron juntos: se limító a inspirar y enriquecer con hermosas sugerencias los trabajos de su esposo.




La grandeza de Clara como mujer, intérprete y compositora permanece. Es evidente que su obra musical no está inspirada en la del marido, más bien es la música de Robert la que está en deuda con la de Clara. Estoy segura de que si se le hubieran presentado más oportunidades y menos impedimentos en el área de la composición hoy, sin duda,  podríamos disfrutar de excelentes e insuperables obras y la historia de la musica reconocería en ella su indiscutible genialidad.




Por suerte se están empezando a publicar algunas de sus obras. Querría compartir con vosotr@s, dos de las que más me gustan: 

Del tripo para violin, violonchelo y piano op.17 (que se compone de cuatro movimientos) os dejo el iii y el iv movimiento (aunque el sonido del video no es muy bueno, la interpretación es magnifica):




(ésta es mi parte preferida de la obra)



También quiero compartir un fragmento del concierto para piano y orquesta en
 la menor op.17. Inerpretado por la pianista Daria van den Bercken y bajo la dirección de Johan Falleta (una de las pocas mujeres directoras de orquesta que hay). Me alegró mucho encontrar este video y deseaba mucho compartirlo...





... y si quereís escuchar la obra completa clic aquí.


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